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Sessions PHI 2021
Sonder le potentiel des institutions culturelles
- Art contemporain
Gratuit
3 et 10 décembre 2021
Jour 1 : Événement virtuel avec diffusion en direct (Centre PHI) / Jour 2 : Événement virtuel avec espace de travail (Centre PHI)
315 rue Saint-Paul Ouest
Montréal, Québec, H2Y 2M3
Pour plus d'information veuillez contacter:
[email protected]
Tous les visiteurs devront présenter leur passeport vaccinal valide + 1 pièce d'identité à leur arrivée dans le bâtiment. Celui-ci est nécessaire pour profiter des installations.
Plus d'informations ici.
En ligne, l'événement sera offert en anglais avec une traduction audio en direct offerte en français. L'interprétation ASL (seulement pour les Séances de réflexions approfondies) et LSQ sera disponible.
Les Sessions PHI 2021 seront un rassemblement de deux jours d'un éventail de voix concernées par le milieu des arts et de la culture.
L’intention de Sessions PHI 2021 est de lancer et de favoriser un projet collectif pour explorer – à travers une conversation ouverte et des interrogations spéculatives – le rôle et le potentiel de l'institution culturelle au sens large (galeries publiques, musées, centres d'artistes, collectifs, initiatives indépendantes, etc.) au sein de notre moment contemporain en évolution rapide.
Les enregistrements et les participants
Jour 1 : Séances de conversations
3 décembre 2021
→ Séances fondamentales : Où sommes-nous actuellement ?
→ Séance de réflexions approfondies 2 : Recadrer les « espaces » de l’institution culturelle
→ Séance de synthèse et présentation des Sujets de recherche
Jour 2 : Séances de travail
10 décembre 2021
Le projet

Deux questions fondamentales sous-tendent l'événement :
Comprenant que l'art et la culture sont essentiels à notre tissu social et à notre bien-être collectif, quels sont les rôles émergents des institutions culturelles pour (ré)affirmer leur propre « essence » à l'appui de cette dimension fondamentale de la vie quotidienne ?
Comment les institutions peuvent-elles garantir la capacité soutenue de jouer ces rôles et, inversement, comment ces rôles pourraient-ils contribuer aux priorités plus larges de la durabilité et au progrès social ?
À l'intersection de ces intérêts conceptuels se trouve une série d'intentions pratiques :
Partager nos connaissances collectives, qui incluent les leçons de la pandémie, imaginer de nouveaux moyens de catalyser un secteur artistique et culturel dynamique et revigoré en tant qu'écosystème connecté – en lui-même et de concert avec des mouvements sociétaux plus larges et des changements socioculturels
Traiter comme fondamentales les notions de service à notre public, de promotion du développement de l'engagement communautaire et d'entretien de l'écosystème artistique et culturel dans son ensemble
Pour engager un éventail d'acteurs et de publics dans la conversation qui opère à l'intérieur, mais aussi au-delà, des limites de la pratique institutionnelle
Aborder les sujets à travers des spéculations prospectives et des provocations pour découvrir de nouvelles questions pour une enquête et une exploration plus approfondies
Identifier de nouveaux outils et pratiques à travers lesquels l'enquête et les connaissances peuvent être collectées, partagées et perpétuées, et à leur tour les moyens de soutenir leur utilisation
S'engager dans un projet collectif (et continu) à travers lequel de nouvelles visions peuvent émerger, et à son tour, à travers lequel le(s) réseau(x) de praticiens opérant dans la sphère artistique et culturelle peuvent être renforcés
Les Sujets de recherche
Les sessions du jour 1 ont généré un riche éventail de réflexions, de spéculations, d'avertissements et d'idées sur le statut de l'institution culturelle. La myriade de considérations précipitées et / ou accélérées par notre moment culturel ont été rendues de manière vivante, tandis que des questions ouvertes qui nécessitent une exploration plus approfondie ont émergé à travers les conversations et les perspectives.
Nous avons distillé les Sujets de recherche suivants à partir des conversations du jour 1, ces mêmes Sujets ont été identifiés pour aider à orienter l'exploration continue des idées le jour 2 et au-delà.
Comment les institutions peuvent-elles apprendre des artistes en tant que navigateurs critiques de notre contexte contemporain (maintenant et à perpétuité) ?
Comment les institutions peuvent-elles soutenir et encourager ce modèle (et la valeur des artistes en tant que figures critiques et visionnaires dans un contexte plus large) ?
Où sont les (nouveaux) centres de pouvoir/autorité au sein du système culturel ?
Quel pourrait être un nouvel ordre qui reflète mieux cette réalité ou ce potentiel ? (... qui redéfinit le leadership, les conditions de travail, les hiérarchies, les niveaux de responsabilité, la prise de décision, etc.)
Comment accélérer le changement et accroître l'agilité des institutions engluées par l'inertie et leur implication dans des logiques systémiques ? (quels pourraient être les leviers critiques du changement ?)
Comment ralentir pour réintroduire des rythmes plus humains et une plus grande responsabilité institutionnelle ?
… et comment le changement lui-même peut-il être soutenu ?
Comment aller au-delà des termes généraux et des compréhensions* pour mieux aborder les complexités et les versions alternatives (... des perspectives, des systèmes, des hiérarchies, des communautés, des espaces, etc.) ?
*par exemple. « public », handicap, « monde de l'art », « numérique », « DEI », et al
Comment les structures/logiques inhérentes aux échanges de capitaux (financiers, culturels, etc.) peuvent-elles être stratégiquement réimaginées pour répondre à de nouveaux impératifs ?
Comment décompresser les interdépendances du capital financier et culturel pour repenser le potentiel et l’autonomie des institutions culturelles ?
L'événement

Les Sessions PHI 2021 se dérouleront sur deux jours séparés par un interlude d'une semaine et seront initiées par une série de conversations approfondies le jour 1 – les Séance(s) fondamentales, conçues pour fournir une enquête fondamentale sur les sujets en question, suivies de deux Séance(s) de réflexions approfondies qui exploreront certains territoires plus en détail. Les domaines critiques pour une enquête plus approfondie seront identifiés à travers ces conversations et présentés au cours de la Séance de synthèse du jour 1 en tant que Sujets de recherche qui serviront de base aux sessions de travail du jour 2.
Le jour 1 sera mené et présenté virtuellement, ainsi qu'offert au public au Centre PHI (315, rue Saint-Paul Ouest). En ligne, l'événement sera offert en anglais avec une traduction audio en direct offerte en français. L'interprétation ASL (seulement pour les Séances de réflexions approfondies) et LSQ sera disponible. Des échanges avec le public suivront chaque session.
Le jour 2, qui aura lieu une semaine après le jour 1, consistera en du temps pour les Équipes de travail auto-dirigés pour sonder l'un des Sujets de recherche identifiés au cours du jour 1 sous la forme de Séances de travail fermées. L'objectif de ces sessions est de traduire les Sujets de recherche sélectionnés en une série d'hypothèses concrètes et d’esquisses d'expériences/idées/propositions exploitables qui pourraient être adoptées ou entreprises par des agents ou des institutions du domaine culturel comme moyen d'approfondir l'enquête sur les sujets.
Les Séances de travail seront coordonnées via une plate-forme de réunion virtuelle, et la Séance de synthèse sera présentée publiquement via cette page d'événement Sessions PHI 2021. Un espace de travail collectif pour les Équipes de travail inscrits sera offert au Centre PHI (315, rue Saint-Paul Ouest).
Les Équipes de travail (avec ou sans alliance avec un organisme culturel, universitaire, dirigé par des artistes ou communautaire) sont invités à manifester leur intérêt à participer au jour 2. Il est suggéré que les Équipes soient composés de 3 à 6 personnes et doivent être auto-organisés et auto-dirigés. Dans la période intermédiaire entre le jour 1 et le jour 2, chaque Équipe sera invité à sélectionner un Sujet de recherche d'intérêt parmi ceux identifiés lors des sessions du jour 1. Il n'y a aucun coût associé à l'inscription ou à la participation.
L'horaire
10h00
Bienvenue et Introduction par Cheryl Sim
10h15
Séances fondamentales : Où sommes-nous actuellement ? animé par Ken Lum avec Rebecca Belmore, Yesomi Umolu et András Szántó
11h15
Échanger avec le public
11h45
Pause
12h30
Séance de réflexions approfondies 1 : Engagements et responsabilités émergents de l'institution culturelle modéré par Kama La Mackerel avec Calum Bowden, Haley Mellin, Monica O. Montgomery, Carmen Papalia
13h30
Échanger avec le public
14h00
Pause
14h15
Séance de réflexions approfondies 2 : Recadrer les « espaces » de l’institution culturelle modéré par Jepchumba avec Jasmina Cibic, Ella den Elzen, Skawennati, Richard Fung
15h15
Échanger avec le public
16h30
Séance de synthèse et présentation des Sujets de recherche par Cheryl Sim et Talia Dorsey
Dates intermédiaires clés :
4-7 décembre
Période d'inscription finale pour les Équipes de travail / Sélection des Sujets de recherche par des Équipes de travail pré-enregistrés
8 décembre
Réunion préparatoire des Équipes de travail (facultatif, mais encouragé)
10h00
Bienvenue et Introduction par Cheryl Sim et Talia Dorsey
10h15
Séances de travail
15h00
Séance de synthèse animé par Cheryl Sim et Talia Dorsey
Les détails

Jour 1 - Séances de conversations
Séances fondamentales : Où sommes-nous actuellement?
Cette série de conversations sera présentée sous forme de « talk-show » avec l'animateur engageant des conversations en tête-à-tête avec trois invités. Fondées et fondamentales, ces conversations offriront des informations générales et contextuelles au niveau de l'enquête pour offrir une idée générale des domaines d'exploration et de préoccupation qui nous attendent.
Questions de cadrage :
Alors que la pandémie a affirmé que l'expérience de l'art et de la culture est essentielle à notre bien-être, qu'en est-il du rôle et de la finalité des institutions culturelles ? Quels sont les nouveaux termes de « essence » ?
Quels sont les changements culturels émergents qui représentent des opportunités convaincantes pour le rôle et la pertinence de l'institution culturelle ?
À la lumière de ces potentialités, comment réimaginer les notions de « responsabilités » et « d'espaces » de l'institution culturelle contemporaine ?
Comment la durabilité et la pertinence sont-elles liées aujourd'hui pour les institutions culturelles ?
Séance de réflexions approfondies 1 : Engagements et responsabilités émergents de l'institution culturelle
Cette session explorera de nouvelles opportunités pour l'agence et l'action institutionnelles face aux forces sociétales émergentes. Sur la base des missions institutionnelles fondamentales, existe-t-il de nouvelles façons de concevoir l'éventail et le caractère des engagements et des responsabilités qui pourraient renforcer la durabilité et la pertinence ?
Territoires clés de discussion : diversité, inclusion, accessibilité, équité, durabilité environnementale, gouvernance, participation et construction communautaires, etc.
Séance de réflexions approfondies 2 : Recadrer les « espaces » de l’institution culturelle
Cette session visera à provoquer de nouvelles façons de cadrer la notion et l'importance qualifiée des « espaces institutionnels » - en interrogeant le binaire du numérique et du physique ; questionner les limites (au-delà de la géographie ?) des espaces publics et communautaires ; remettre en cause les conventions des hiérarchies spatiales, et al
Territoires clés de discussion : espace numérique, espace physique, espace public, communautés au-delà des géographies, démocratisation de l'espace, « création » d'espace, indigénisation de l'espace, accessibilité, etc.
Séance de synthèse
La journée se terminera par une Séance de synthèse au cours de laquelle les Sujets de recherche identifiés lors des conversations du jour 1 seront résumés et proposés comme points de départ pour le développement expérimental dans les Séances de travail du jour 2, une semaine plus tard.

Interlude
L'inscription des Équipes de travail restera ouverte jusqu'au 7 décembre et la sélection des Sujets de recherche aura lieu du 4 au 7 décembre (après leur identification le jour 1). Les Équipes de travail qui s'inscrivent à l'avance recevront un courriel le 4 décembre avec un rappel pour sélectionner l'un des sujets identifiés avant le 7 décembre.
Le 8 décembre, de 10h00 à 10h30, une réunion préparatoire sera proposée (virtuellement) pour récapituler les Sujets de recherche identifiés le jour 1 et pour fournir des conseils concernant l'animation et les objectifs des Séances de travail. La participation à cette réunion est fortement encouragée, mais reste facultative. Un lien pour la réunion sera envoyé à la personne de contact pour chaque Équipe de travail le 7 décembre.

Jour 2 - Séances de travail
Les Séances de travail seront le moment pour les Équipes de travail auto-organisés et auto-dirigés de développer des hypothèses spéculatives et des expériences/idées/propositions connexes en rapport avec l'un des Sujets de recherche identifiés lors des séances du jour 1. Ces hypothèses et idées sont imaginées pour être une expression et un document de notre pensée contemporaine, mais également des moyens concrets pour la poursuite continue et exploitable des enquêtes spéculatives et des Sujets de recherche qu'elles représentent. En tant que tels, les conclusions des Séances de travail seront documentées dans la publication imprimée et serviront de base au développement et à l'articulation continus du projet via la publication et la plate-forme numériques.
Séance de synthèse
Le jour 2 se terminera par une Séance de synthèse publique présentant un aperçu des hypothèses, idées, expériences et propositions issues des Séances de travail. Les porte-parole de chaque Équipe de travail seront invités à présenter les conclusions de leur Équipe au forum*.
*Si le nombre d’Équipes de travail est trop important pour accueillir des présentations individuelles, chaque équipe sera invité à soumettre son travail avant la Séance de synthèse afin que les résultats puissent être compilés et résumés collectivement pour présentation par les animatrices des Sessions PHI 2021, Cheryl Sim et Talia Dorsey.

Soumission de travail
Après l'événement, toutes les Équipes de travail seront invitées à envoyer leurs conclusions aux organisateurs des Sessions PHI 2021 pour qu'elles soient prises en compte pour inclusion dans les publications imprimées et/ou numériques.
Post-événement
L'une des principales intentions des Sessions PHI 2021 est de lancer et de favoriser un projet collectif qui pourrait ouvrir de nouveaux réseaux et canaux d'échange et de collaboration pour aider à développer en permanence notre compréhension du potentiel des institutions culturelles. Notre espoir est que les thèmes de recherche qui émergent du jour 1 soient abordés lors des Séances de travail du jour 2, afin de produire un bassin vital d'hypothèses et d'expérimentations. Afin de continuer à nourrir la conversation et le brassage d'idées, les conclusions et les idées lancées lors des Sessions PHI 2021 seront documentées et poursuivies par le biais d'une publication imprimée et d'une publication numérique complémentaire. Ceux-ci serviront de documents et de plate-forme continue pour le corpus d'idées, de méthodologies et d'apprentissages d'avant-garde des Sessions PHI 2021.
Publication numérique
Afin de continuer à explorer les sujets, les discussions et les idées générés par les Sessions PHI, nous créerons une publication numérique itérative et évolutive. La publication servira de moyen d'étendre l'examen des sujets à différents modes et médias, et servira de référentiel pour la documentation continue des «résultats de la recherche» et des nouvelles questions qui en découlent.
Dynamique et non linéaire, la publication numérique sera constituée de textes thématiques et offrira un espace de partage des hypothèses, de leur évolution en cours et des résultats d'expérimentations menées au fil du temps.
Publication imprimée
Une sélection d'hypothèses clés comprenant des expérimentations ou des idées appliquées sera publiée et servira à donner un aperçu de ce qui s'est passé pendant ces deux jours. Une introduction et des textes commandités qui reflètent ce moment d'enquête et d'exploration sont également prévus pour cette publication.
Participants aux Séances de conversations
Membre de la Première Nation du Lac Seul (Anishinaabe), Rebecca Belmore est une artiste multidisciplinaire de renommée internationale.
Ancrées dans les réalités politiques et sociales des communautés autochtones, les œuvres de Belmore établissent des liens évocateurs entre les corps, la terre et la langue. Les expositions individuelles comprennent : Facing the Monumental, Musée des beaux-arts de l'Ontario (2018); Rebecca Belmore : Kwe, Galerie Justina M.Barnicke (2014) ; The Named and the Unnamed, Morris and Helen Belkin Art Gallery, (2002). En 1991, Ayumee-aawach Oomama-mowan: Speaking to Their Mother a été créé au Banff Centre for the Arts avec une tournée nationale en 1992 et des rassemblements ultérieurs ont eu lieu à travers le Canada en 1996, 2008 et 2014.
En 2017, Belmore a participé à la documenta 14 avec Biinjiya'iing Onji (From Inside) à Athènes, en Grèce et à Kassel, en Allemagne. En 2005, à la Biennale de Venise, elle expose Fountain dans le pavillon canadien. D'autres expositions de groupe incluent : Landmarks2017 / Reperes2017, Partners in Art (2017) ; Land Spirit Power, Musée des beaux-arts du Canada (1992); et la IVe Biennale de la Havane (1991).
Belmore a reçu le prix VIVA de la Fondation Jack et Doris Shadbolt (2004), le prix Hnatyshyn en arts visuels (2009), le prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques (2013) et le prix Gershon Iskowitz (2016). Elle a reçu des doctorats honorifiques de l'Université OCAD (2005), de l'Emily Carr University of Art + Design (2018) et de l'Université NSCAD (2019).

Calum Bowden collabore sur des histoires, des mondes et des plateformes qui travaillent à reconnecter le culturel avec le technologique, l'économique et le politique. Il a cofondé Trust, un espace et une plate-forme à Berlin pour la recherche, le développement et la maintenance d'infrastructures et d'imaginaires partagés, et Black Swan, un collectif poursuivant des approches horizontales et décentralisées des modèles traditionnels du monde de l'art pour la création artistique. Au sein de ces collectifs, Calum a travaillé avec des partenaires du secteur culturel, notamment Haus der Kulturen der Welt Berlin, les Serpentine Galleries London, Eyebeam New York et KW Institute for Contemporary Art Berlin. Calum a participé au programme de troisième cycle de l'Institut Strelka de Moscou. Il est titulaire d'une maîtrise en Design Interactions du Royal College of Art et d'un BSc en anthropologie de l'University College London.

Jasmina Cibic (née à Ljubljana 1979) est une artiste basée à Londres qui travaille dans la performance, l'installation et le cinéma, utilisant une gamme d'activités, de médias et de tactiques théâtrales pour redéfinir ou reconsidérer une formation idéologique spécifique et ses dispositifs de cadrage tels que l'art et architecture. Son travail établit un parallèle entre la construction de la culture nationale et sa valeur d'usage à des fins politiques, abordant l'intemporalité des mécanismes psychologiques et de soft power que les structures autoritaires utilisent dans leur propre réinsertion et réinvention.
Jasmina Cibic a représenté la Slovénie à la 55e Biennale de Venise avec son projet « For Our Economy and Culture ». Ses expositions récentes incluent des expositions personnelles à : macLyon, Museum Sztuki Łódź, Museum of Contemporary Art Ljubljana, CCA Glasgow, Phi Foundation Montreal, BALTIC Centre for Contemporary Art Gateshead, Kunstmuseen Krefeld, Aarhus 2017, Esker Foundation Calgary, Museum of Contemporary Art Zagreb, Museum of Contemporary Art Belgrade, MGLC Ljubljana et Ludwig Museum Budapest ainsi que des expositions collectives au MAXXI Rome, Steirischer Herbst '19, MOMA NY, MUMA Monash Museum, CCS BARD, Marta Herford et Guangdong Museum of Art China. Les films de Cibic ont été projetés à la Whitechapel Gallery, au Pula Film Festival, au London Film Festival, au HKW Berlin, au Louvre, au Dokfest Kassel et au Copenhagen International Documentary Festival. Cibic a été présélectionné pour le Jarman Award (2021 et 2018) et a remporté les prix MAC International Ulster Bank et Charlottenborg Fonden (2016) et B3 Biennial of the Moving Image Award (2020).

Ella den Elzen est une designer architecturale, chercheuse et artiste. Sa pratique s'engage dans des modes exploratoires de représentation architecturale pour comprendre le rôle de l'environnement bâti dans la société contemporaine. Ses recherches portent sur des thématiques liées à la migration, aux espaces d'incarcération et aux infrastructures coloniales en relation avec l'espace. À travers l'utilisation de films, de documents d'archives et d'histoires orales, elle vise à révéler les récits que le dessin d'architecture et le modélisme ne montrent pas toujours. Ses écrits ont été publiés dans le Journal of Architectural Education, Public Parking et la publication Web du Centre Canadien d'Architecture. Elle travaille actuellement comme assistante de conservation au Centre Canadien d'Architecture (CCA) et coenseigne la théorie de l'architecture aux étudiants de premier cycle de l'Université de Waterloo, en se concentrant sur les concepts de subjectivité et de propriété moderne.

Richard Fung est vidéaste, écrivain et professeur émérite à la Faculté des arts de l'Université OCAD. Richard a siégé aux comités des arts médiatiques et de l'égalité raciale du Conseil des arts du Canada et du conseil d'administration du Toronto Arts Council. Actuellement, il siège au conseil d'administration de Vtape et aux conseils des festivals de films Reel Asian et Toronto Palestine, et est actif avec le collectif Long Time No See, réalisant des projets artistiques communautaires dans le quartier chinois de Toronto. Il est coauteur avec Monika Kin Gagnon de 13 : Conversations on Cultural Race Politics/Territoires et trajectoires.

Jepchumba est agriculteur, technologue culturel et fondateur d'African Digital Art et Future Lab Africa. Elle a été classée par Forbes comme l'une des 20 femmes les plus influentes d'Afrique en 2012 et dans les 25 meilleures femmes performantes du Guardian Africa. Ambassadrice culturelle, elle parcourt le monde pour promouvoir la croissance de la technologie créative en Afrique.

Kama La Mackerel est un·e artiste pluridisciplinaire, éducateur·ice, auteur·ice, médiateur·ice culturelle et traducteur·ice littéraire mauricienne qui vit au Canada. Sa pratique est ancrée dans les notions de justice, de bienveillance, d’amour, de décolonialité, d’hybridité, de cosmopolitisme, de guérison ancestrale, et d’empowerment individuel et collectif.
Son recueil de poésie ZOM-FAM (Metonymy Press) fut nommé un CBC Best Poetry Book, un Globe and Mail Best Debut, et était finaliste pour le QWF Concordia University First Book Award et le Writers’ Trust of Canada Dayne Ogilvie Prize. La revue World Literature Today a décrit ZOM-FAM comme « un jalon historique dans la littérature mauricienne ».
En 2021, Kama a été décerné·e le prix Joseph S- Stauffer du Conseil des Arts du Canada pour artistes émergent·es et à la mi-carrière en Arts Visuels.

Ken Lum est un artiste qui a participé à de nombreuses expositions majeures dont Documenta, la Biennale de Venise, la Biennale de Sao Paolo, la Biennale de Shanghai, la Biennale de Moscou, la Biennale de Sydney, la Biennale de Johannesburg et la Biennale de Whitney. Professeur de longue date, il est actuellement titulaire de la chaire des beaux-arts de la Weitzman School of Design de l'Université de Pennsylvanie à Philadelphie.
Il est cofondateur et rédacteur en chef fondateur du Yishu Yishu Journal of Contemporary Chinese Art, sans doute la publication de référence sur l'art chinois contemporain. Il est un écrivain prolifique et a prononcé plusieurs allocutions lors de conférences et d'événements majeurs, notamment la conférence Becoming Public Art 2021 à Markham, Canada, la World Museums Conference 2010 à Shanghai et la Biennale 2006 de Sydney à Sydney, Australie. Un livre de ses écrits intitulé Everything is Relevant: Writings on Art and Life 1991 จC 2018c a été publié en 2020 par Concordia University Press. Plus récemment, en période de la pandémie, il a réalisé deux longs métrages scénaristiques traitant d'ouvriers contractuels chinois se déroulant respectivement en 1868 et 1885.
Depuis le milieu des années 1990, il a travaillé sur de nombreuses grandes commandes d'art public permanentes, notamment pour les villes de Vienne, Rotterdam, Saint-Louis, Leyde, Utrecht, Toronto et Vancouver.
Lum a un dossier de conservation, notamment en tant que co-commissaire Shanghai Modern: 1919 จC 1945; Sharjah Biennial 7, Sharjah, United Arab Emirates and Monument Lab: Creative Speculations for Philadelphia.
Lum est cofondateur et conseiller principal en conservation de Monument Lab, un collectif public d'art et d'histoire fondé à Philadelphie en 2012. Une exposition personnelle est prévue à la Magenta Plains Gallery à New York, en janvier 2022.
Une exposition-enquête de son travail aura lieu en 2022 au ReMai Modern à Saskatoon et à l'Art Gallery of Ontario à Toronto.

Haley Mellin est une artiste et une écologiste basée à San Francisco, en Californie. Elle a fondé l'association Art for Acres en 2017 pour soutenir la conservation permanente des terres au nom des artistes et des institutions. À ce jour, l'initiative a soutenu 22 millions d'acres de conservation. De plus, Mellin prend en charge les calculs de carbone pour les expositions d'art. Elle a cofondé le Conseil de l'environnement au MOCA, Los Angeles et Art and Climate Action, San Francisco en 2020. Ses expositions récentes incluent Hudson House, New York; Le Journal, New York; Alexander Berggruen, New York ; F Houston, Texas; Épaule, Los Angeles ; MoMA Ps1, New York ; Projets Bischoff, Allemagne ; Musée Dhondt-Dhaenens, Belgique et Museo Pino Pascali, Italie. Elle a étudié à l'U.C. Berkeley, New York University et le Whitney Museum Independent Study Program et est l'élève des professeurs Rose Shakinovsky et Claire Gavronsky. Mellin a reçu une commande Rhizome du New Museum de New York.

Monica O. Montgomery MA est une dirigeante de musée qui travaille au lien de l'équité, de la communauté et de l'inclusion. Elle est conservatrice de la justice sociale, projets spéciaux + programmes, pour l'exposition FUTURES présentée par la Smithsonian Institution, Arts + Industries Building. Elle a organisé de manière indépendante plus de 40 expositions, expériences et festivals sur la justice sociale, l'art contemporain et l'histoire publique, avec des organisations de renom telles que l'ambassade d'Afrique du Sud, le Brooklyn Museum, le Portland Art Museum, le Teachers College, The Highline et plus encore. Elle est cofondatrice de Museum Hue, à la tête du premier groupe multiculturel, pour faire progresser la visibilité et la viabilité du BIPOC dans les musées, en créant une représentation diversifiée et une équité. En tant que consultante muséale travaillant sur le DEAI et l'engagement communautaire, sa passion réside dans le remède et la résolution des défis organisationnels, à travers une lentille d'accueil et d'appartenance. Monica est une professeure diplômée qui enseigne des cours sur les musées, l'engagement communautaire et le changement social dans des institutions de renom telles que : American University, Georgetown University, Johns Hopkins University, Harvard University, Pratt Institute et NYU. Elle détient un baccalauréat en arts en Broadcast Communication de l'Université Temple et une maîtrise ès arts en communication d'entreprise de l'Université LaSalle.
Monica a perfectionné ses talents au cours de la dernière décennie en tant que double directrice exécutive, conservatrice indépendante, gestionnaire de programme, directrice de l'éducation, collectrice de fonds et formatrice DEI. Elle est une conférencière chevronnée qui anime des conférences à travers le monde telles que : TedX, SxSW Edu, Museum Next, Museums Association, AMA UK Association of Art Museum Curators, American Alliance of Museums, Henry Stewart Events, Themed Entertainment Association, Designing for Empathy Summit, AASLH, NYCMER, Arts Administrators of Color. Elle a été présentée dans les médias sur PBS News hour, Washington Post, Smithsonian Magazine, Humans of New York, Fox, C-Span, Hyperallergic, Radio One et Philadelphia Tribune. Elle est chercheuse et conseillère auprès de dirigeants de musées, de collèges, de sociétés historiques, d'associations et de conseils des sciences humaines.

Carmen Papalia est une artiste de pratique sociale non visuelle souffrant de douleurs chroniques et épisodiques sévères. En 2021, il a cofondé l'Open Access Foundation for Arts & Culture (OAFAC), une organisation culturelle à l'ère de la pandémie qui vise à établir une nouvelle norme culturelle en matière d'accessibilité en encourageant des pratiques d'accessibilité créatives et axées sur la justice. S'attaquant à la représentation limitée des personnes ayant une expérience vécue du handicap dans des rôles de leadership dans les arts visuels et du spectacle, les activités de l'OAFAC font progresser la culture et l'art du handicap dans un contexte d'art contemporain par le biais de formations dirigées par des personnes handicapées, de curation, d'engagements publics, d'expositions, de performances, de campagnes éducatives et le développement de projets spécifiques au site avec des artistes, des conservateurs et des travailleurs culturels.
Depuis 2009, Papalia utilise des stratégies d'organisation et l'improvisation pour aborder son accès à l'espace public, aux institutions artistiques et à la culture visuelle. En tant qu'animateur, il crée des espaces accueillants où les personnes handicapées, malades et malades chroniques peuvent renforcer les capacités de soins qui leur manquent en raison de l'échec du gouvernement et du capacitisme médical. Son travail, qui prend des formes allant de la performance collaborative à l'intervention publique, est une réponse aux méfaits du modèle médical du handicap, un cadre qui efface l'expérience du handicap en renforçant les concepts capacitifs de normalité.
En 2020, Papalia était l'un des 25 artistes qui ont reçu le Sobey Art Award; en 2019, il a été récipiendaire de la longue liste de Sobey dans la région de la côte ouest et du Yukon. Papalia a également reçu la bourse commémorative Adam Reynolds 2014, qui a soutenu une résidence de 3 mois au Victoria & Albert Museum de Londres, et le prix Wynn Newhouse 2013. Son travail a été présenté au Museum of Modern Art, au musée Solomon R. Guggenheim, à la Tate Liverpool, au Whitney Museum of American Art, au Banff Center for Arts and Creativity et à la galerie Gachet, entre autres.

Skawennati explore l’histoire, l’avenir et le changement depuis son point de vue de femme kanien’kehá:ka urbaine et en tant qu’avatar cyberpunk. Ses machinimas, ses images fixes, ses sculptures et ses textiles ont été exposés en Europe, en Océanie, en Chine et en Amérique du Nord dans le cadre de biennales, d’expositions collectives et d’expositions solos. Elles figurent entre autres dans les collections du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée d’art contemporain de Montréal et de la Fondation Thoma. Elle a eu l’honneur de recevoir une bourse de recherche pour artiste de la Smithsonian en 2020 et une bourse pour artiste invitée au Eccles Centre for American Studies de la British Library.
Récipiendaire d’un doctorat honorifique du Minneapolis College of Art and Design, elle est également une fière membre de la Guild of Future Architects et membre fondatrice du conseil d’administration de daphne, le premier centre d’art autochtone autogéré de Montréal. Elle codirige Aboriginal Territories in Cyberspace, un réseau de recherche-création à l’Université Concordia, où elle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts. Originaire du territoire mohawk de Kahnawà:ke, Skawennati vit à Montréal. Elle est représentée par la galerie ELLEPHANT.

András Szántó (né en 1964) est un auteur largement publié qui conseille les musées, les fondations, les établissements d'enseignement et les entreprises sur la stratégie culturelle et le développement de programmes, dans le monde entier. Il a obtenu son doctorat en sociologie à l'Université de Columbia. Ses écrits ont été publiés dans le New York Times, Artforum, Artnet et The Art Newspaper, entre autres publications. En tant que consultant, il conseille certaines des plus grandes institutions culturelles et programmes d'art d'entreprise au monde. Il a donné des conférences sur le commerce de l'art au Sotheby's Institute of Art et a dirigé le National Arts Journalism Program à l'Université Columbia. Au Metropolitan Museum of Art, il a aidé à lancer et à superviser le Global Museum Leaders Colloquium, une série de séminaires de 10 jours pour les directeurs de musées internationaux. Il est un modérateur fréquent de la série Art Basel Conversations. Né à Budapest, il a organisé des expositions sur l'art hongrois des années 60 et 70 à Londres et à New York. Son livre le plus récent est The Future of the Museum: 28 Dialogues (Hatje Cantz, 2020). Il vit à Brooklyn.

Yesomi Umolu est une chef de file des arts et une conservatrice contemporaine. Elle est actuellement directrice des affaires curatoriales et de la pratique publique à Serpentine, à Londres. Elle était auparavant directrice et conservatrice, Logan Center Exhibitions à l'Université de Chicago, où elle a également enseigné des cours d'art visuel et de pratiques spatiales en tant que conférencière dans la division des sciences humaines. Avant de rejoindre Logan, Umolu a occupé des postes de conservateur au MSU Broad Museum, East Lansing, Michigan ; Walker Art Center, Minneapolis; et Manifesta 8, la Biennale européenne d'art contemporain. En tant que Directrice artistique de la Biennale d'architecture de Chicago 2019, Umolu a supervisé un programme de conservation acclamé par la critique comprenant de nouvelles commandes, des installations hors site et une multitude de performances, de conférences, d'ateliers et d'engagements communautaires avec plus de 80 contributeurs internationaux. Umolu est récipiendaire en 2016 de la prestigieuse bourse de conservation de la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Elle a siégé au comité consultatif de conservation du pavillon des États-Unis à la 16e Biennale d'architecture de Venise. Elle est administratrice de la Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts, Chicago.