Membre de la Première Nation du Lac Seul (Anishinaabe), Rebecca Belmore est une artiste multidisciplinaire de renommée internationale.

Ancrées dans les réalités politiques et sociales des communautés autochtones, les œuvres de Belmore établissent des liens évocateurs entre les corps, la terre et la langue. Les expositions individuelles comprennent : Facing the Monumental, Musée des beaux-arts de l'Ontario (2018); Rebecca Belmore : Kwe, Galerie Justina M.Barnicke (2014) ; The Named and the Unnamed, Morris and Helen Belkin Art Gallery, (2002). En 1991, Ayumee-aawach Oomama-mowan: Speaking to Their Mother a été créé au Banff Centre for the Arts avec une tournée nationale en 1992 et des rassemblements ultérieurs ont eu lieu à travers le Canada en 1996, 2008 et 2014.

En 2017, Belmore a participé à la documenta 14 avec Biinjiya'iing Onji (From Inside) à Athènes, en Grèce et à Kassel, en Allemagne. En 2005, à la Biennale de Venise, elle expose Fountain dans le pavillon canadien. D'autres expositions de groupe incluent : Landmarks2017 / Reperes2017, Partners in Art (2017) ; Land Spirit Power, Musée des beaux-arts du Canada (1992); et la IVe Biennale de la Havane (1991).

Belmore a reçu le prix VIVA de la Fondation Jack et Doris Shadbolt (2004), le prix Hnatyshyn en arts visuels (2009), le prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques (2013) et le prix Gershon Iskowitz (2016). Elle a reçu des doctorats honorifiques de l'Université OCAD (2005), de l'Emily Carr University of Art + Design (2018) et de l'Université NSCAD (2019).

Calum Bowden collabore sur des histoires, des mondes et des plateformes qui travaillent à reconnecter le culturel avec le technologique, l'économique et le politique. Il a cofondé Trust, un espace et une plate-forme à Berlin pour la recherche, le développement et la maintenance d'infrastructures et d'imaginaires partagés, et Black Swan, un collectif poursuivant des approches horizontales et décentralisées des modèles traditionnels du monde de l'art pour la création artistique. Au sein de ces collectifs, Calum a travaillé avec des partenaires du secteur culturel, notamment Haus der Kulturen der Welt Berlin, les Serpentine Galleries London, Eyebeam New York et KW Institute for Contemporary Art Berlin. Calum a participé au programme de troisième cycle de l'Institut Strelka de Moscou. Il est titulaire d'une maîtrise en Design Interactions du Royal College of Art et d'un BSc en anthropologie de l'University College London.

Jasmina Cibic (née à Ljubljana 1979) est une artiste basée à Londres qui travaille dans la performance, l'installation et le cinéma, utilisant une gamme d'activités, de médias et de tactiques théâtrales pour redéfinir ou reconsidérer une formation idéologique spécifique et ses dispositifs de cadrage tels que l'art et architecture. Son travail établit un parallèle entre la construction de la culture nationale et sa valeur d'usage à des fins politiques, abordant l'intemporalité des mécanismes psychologiques et de soft power que les structures autoritaires utilisent dans leur propre réinsertion et réinvention.

Jasmina Cibic a représenté la Slovénie à la 55e Biennale de Venise avec son projet « For Our Economy and Culture ». Ses expositions récentes incluent des expositions personnelles à : macLyon, Museum Sztuki Łódź, Museum of Contemporary Art Ljubljana, CCA Glasgow, Phi Foundation Montreal, BALTIC Centre for Contemporary Art Gateshead, Kunstmuseen Krefeld, Aarhus 2017, Esker Foundation Calgary, Museum of Contemporary Art Zagreb, Museum of Contemporary Art Belgrade, MGLC Ljubljana et Ludwig Museum Budapest ainsi que des expositions collectives au MAXXI Rome, Steirischer Herbst '19, MOMA NY, MUMA Monash Museum, CCS BARD, Marta Herford et Guangdong Museum of Art China. Les films de Cibic ont été projetés à la Whitechapel Gallery, au Pula Film Festival, au London Film Festival, au HKW Berlin, au Louvre, au Dokfest Kassel et au Copenhagen International Documentary Festival. Cibic a été présélectionné pour le Jarman Award (2021 et 2018) et a remporté les prix MAC International Ulster Bank et Charlottenborg Fonden (2016) et B3 Biennial of the Moving Image Award (2020).

Ella den Elzen est une designer architecturale, chercheuse et artiste. Sa pratique s'engage dans des modes exploratoires de représentation architecturale pour comprendre le rôle de l'environnement bâti dans la société contemporaine. Ses recherches portent sur des thématiques liées à la migration, aux espaces d'incarcération et aux infrastructures coloniales en relation avec l'espace. À travers l'utilisation de films, de documents d'archives et d'histoires orales, elle vise à révéler les récits que le dessin d'architecture et le modélisme ne montrent pas toujours. Ses écrits ont été publiés dans le Journal of Architectural Education, Public Parking et la publication Web du Centre Canadien d'Architecture. Elle travaille actuellement comme assistante de conservation au Centre Canadien d'Architecture (CCA) et coenseigne la théorie de l'architecture aux étudiants de premier cycle de l'Université de Waterloo, en se concentrant sur les concepts de subjectivité et de propriété moderne.

Richard Fung est vidéaste, écrivain et professeur émérite à la Faculté des arts de l'Université OCAD. Richard a siégé aux comités des arts médiatiques et de l'égalité raciale du Conseil des arts du Canada et du conseil d'administration du Toronto Arts Council. Actuellement, il siège au conseil d'administration de Vtape et aux conseils des festivals de films Reel Asian et Toronto Palestine, et est actif avec le collectif Long Time No See, réalisant des projets artistiques communautaires dans le quartier chinois de Toronto. Il est coauteur avec Monika Kin Gagnon de 13 : Conversations on Cultural Race Politics/Territoires et trajectoires.

Jepchumba est agriculteur, technologue culturel et fondateur d'African Digital Art et Future Lab Africa. Elle a été classée par Forbes comme l'une des 20 femmes les plus influentes d'Afrique en 2012 et dans les 25 meilleures femmes performantes du Guardian Africa. Ambassadrice culturelle, elle parcourt le monde pour promouvoir la croissance de la technologie créative en Afrique.

Kama La Mackerel est un·e artiste pluridisciplinaire, éducateur·ice, auteur·ice, médiateur·ice culturelle et traducteur·ice littéraire mauricienne qui vit au Canada. Sa pratique est ancrée dans les notions de justice, de bienveillance, d’amour, de décolonialité, d’hybridité, de cosmopolitisme, de guérison ancestrale, et d’empowerment individuel et collectif.

Son recueil de poésie ZOM-FAM (Metonymy Press) fut nommé un CBC Best Poetry Book, un Globe and Mail Best Debut, et était finaliste pour le QWF Concordia University First Book Award et le Writers’ Trust of Canada Dayne Ogilvie Prize. La revue World Literature Today a décrit ZOM-FAM comme « un jalon historique dans la littérature mauricienne ».

En 2021, Kama a été décerné·e le prix Joseph S- Stauffer du Conseil des Arts du Canada pour artistes émergent·es et à la mi-carrière en Arts Visuels.

lamackerel.net // @KamaLaMackerel

Ken Lum est un artiste qui a participé à de nombreuses expositions majeures dont Documenta, la Biennale de Venise, la Biennale de Sao Paolo, la Biennale de Shanghai, la Biennale de Moscou, la Biennale de Sydney, la Biennale de Johannesburg et la Biennale de Whitney. Professeur de longue date, il est actuellement titulaire de la chaire des beaux-arts de la Weitzman School of Design de l'Université de Pennsylvanie à Philadelphie.

Il est cofondateur et rédacteur en chef fondateur du Yishu Yishu Journal of Contemporary Chinese Art, sans doute la publication de référence sur l'art chinois contemporain. Il est un écrivain prolifique et a prononcé plusieurs allocutions lors de conférences et d'événements majeurs, notamment la conférence Becoming Public Art 2021 à Markham, Canada, la World Museums Conference 2010 à Shanghai et la Biennale 2006 de Sydney à Sydney, Australie. Un livre de ses écrits intitulé Everything is Relevant: Writings on Art and Life 1991 จC 2018c a été publié en 2020 par Concordia University Press. Plus récemment, en période de la pandémie, il a réalisé deux longs métrages scénaristiques traitant d'ouvriers contractuels chinois se déroulant respectivement en 1868 et 1885.

Depuis le milieu des années 1990, il a travaillé sur de nombreuses grandes commandes d'art public permanentes, notamment pour les villes de Vienne, Rotterdam, Saint-Louis, Leyde, Utrecht, Toronto et Vancouver.

Lum a un dossier de conservation, notamment en tant que co-commissaire Shanghai Modern: 1919 จC 1945; Sharjah Biennial 7, Sharjah, United Arab Emirates and Monument Lab: Creative Speculations for Philadelphia.

Lum est cofondateur et conseiller principal en conservation de Monument Lab, un collectif public d'art et d'histoire fondé à Philadelphie en 2012. Une exposition personnelle est prévue à la Magenta Plains Gallery à New York, en janvier 2022.

Une exposition-enquête de son travail aura lieu en 2022 au ReMai Modern à Saskatoon et à l'Art Gallery of Ontario à Toronto.

Haley Mellin est une artiste et une écologiste basée à San Francisco, en Californie. Elle a fondé l'association Art for Acres en 2017 pour soutenir la conservation permanente des terres au nom des artistes et des institutions. À ce jour, l'initiative a soutenu 22 millions d'acres de conservation. De plus, Mellin prend en charge les calculs de carbone pour les expositions d'art. Elle a cofondé le Conseil de l'environnement au MOCA, Los Angeles et Art and Climate Action, San Francisco en 2020. Ses expositions récentes incluent Hudson House, New York; Le Journal, New York; Alexander Berggruen, New York ; F Houston, Texas; Épaule, Los Angeles ; MoMA Ps1, New York ; Projets Bischoff, Allemagne ; Musée Dhondt-Dhaenens, Belgique et Museo Pino Pascali, Italie. Elle a étudié à l'U.C. Berkeley, New York University et le Whitney Museum Independent Study Program et est l'élève des professeurs Rose Shakinovsky et Claire Gavronsky. Mellin a reçu une commande Rhizome du New Museum de New York.

Monica O. Montgomery MA est une dirigeante de musée qui travaille au lien de l'équité, de la communauté et de l'inclusion. Elle est conservatrice de la justice sociale, projets spéciaux + programmes, pour l'exposition FUTURES présentée par la Smithsonian Institution, Arts + Industries Building. Elle a organisé de manière indépendante plus de 40 expositions, expériences et festivals sur la justice sociale, l'art contemporain et l'histoire publique, avec des organisations de renom telles que l'ambassade d'Afrique du Sud, le Brooklyn Museum, le Portland Art Museum, le Teachers College, The Highline et plus encore. Elle est cofondatrice de Museum Hue, à la tête du premier groupe multiculturel, pour faire progresser la visibilité et la viabilité du BIPOC dans les musées, en créant une représentation diversifiée et une équité. En tant que consultante muséale travaillant sur le DEAI et l'engagement communautaire, sa passion réside dans le remède et la résolution des défis organisationnels, à travers une lentille d'accueil et d'appartenance. Monica est une professeure diplômée qui enseigne des cours sur les musées, l'engagement communautaire et le changement social dans des institutions de renom telles que : American University, Georgetown University, Johns Hopkins University, Harvard University, Pratt Institute et NYU. Elle détient un baccalauréat en arts en Broadcast Communication de l'Université Temple et une maîtrise ès arts en communication d'entreprise de l'Université LaSalle.

​​Monica a perfectionné ses talents au cours de la dernière décennie en tant que double directrice exécutive, conservatrice indépendante, gestionnaire de programme, directrice de l'éducation, collectrice de fonds et formatrice DEI. Elle est une conférencière chevronnée qui anime des conférences à travers le monde telles que : TedX, SxSW Edu, Museum Next, Museums Association, AMA UK Association of Art Museum Curators, American Alliance of Museums, Henry Stewart Events, Themed Entertainment Association, Designing for Empathy Summit, AASLH, NYCMER, Arts Administrators of Color. Elle a été présentée dans les médias sur PBS News hour, Washington Post, Smithsonian Magazine, Humans of New York, Fox, C-Span, Hyperallergic, Radio One et Philadelphia Tribune. Elle est chercheuse et conseillère auprès de dirigeants de musées, de collèges, de sociétés historiques, d'associations et de conseils des sciences humaines.

Carmen Papalia est une artiste de pratique sociale non visuelle souffrant de douleurs chroniques et épisodiques sévères. En 2021, il a cofondé l'Open Access Foundation for Arts & Culture (OAFAC), une organisation culturelle à l'ère de la pandémie qui vise à établir une nouvelle norme culturelle en matière d'accessibilité en encourageant des pratiques d'accessibilité créatives et axées sur la justice. S'attaquant à la représentation limitée des personnes ayant une expérience vécue du handicap dans des rôles de leadership dans les arts visuels et du spectacle, les activités de l'OAFAC font progresser la culture et l'art du handicap dans un contexte d'art contemporain par le biais de formations dirigées par des personnes handicapées, de curation, d'engagements publics, d'expositions, de performances, de campagnes éducatives et le développement de projets spécifiques au site avec des artistes, des conservateurs et des travailleurs culturels.

Depuis 2009, Papalia utilise des stratégies d'organisation et l'improvisation pour aborder son accès à l'espace public, aux institutions artistiques et à la culture visuelle. En tant qu'animateur, il crée des espaces accueillants où les personnes handicapées, malades et malades chroniques peuvent renforcer les capacités de soins qui leur manquent en raison de l'échec du gouvernement et du capacitisme médical. Son travail, qui prend des formes allant de la performance collaborative à l'intervention publique, est une réponse aux méfaits du modèle médical du handicap, un cadre qui efface l'expérience du handicap en renforçant les concepts capacitifs de normalité.

En 2020, Papalia était l'un des 25 artistes qui ont reçu le Sobey Art Award; en 2019, il a été récipiendaire de la longue liste de Sobey dans la région de la côte ouest et du Yukon. Papalia a également reçu la bourse commémorative Adam Reynolds 2014, qui a soutenu une résidence de 3 mois au Victoria & Albert Museum de Londres, et le prix Wynn Newhouse 2013. Son travail a été présenté au Museum of Modern Art, au musée Solomon R. Guggenheim, à la Tate Liverpool, au Whitney Museum of American Art, au Banff Center for Arts and Creativity et à la galerie Gachet, entre autres.

Skawennati explore l’histoire, l’avenir et le changement depuis son point de vue de femme kanien’kehá:ka urbaine et en tant qu’avatar cyberpunk. Ses machinimas, ses images fixes, ses sculptures et ses textiles ont été exposés en Europe, en Océanie, en Chine et en Amérique du Nord dans le cadre de biennales, d’expositions collectives et d’expositions solos. Elles figurent entre autres dans les collections du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée d’art contemporain de Montréal et de la Fondation Thoma. Elle a eu l’honneur de recevoir une bourse de recherche pour artiste de la Smithsonian en 2020 et une bourse pour artiste invitée au Eccles Centre for American Studies de la British Library.

Récipiendaire d’un doctorat honorifique du Minneapolis College of Art and Design, elle est également une fière membre de la Guild of Future Architects et membre fondatrice du conseil d’administration de daphne, le premier centre d’art autochtone autogéré de Montréal. Elle codirige Aboriginal Territories in Cyberspace, un réseau de recherche-création à l’Université Concordia, où elle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts. Originaire du territoire mohawk de Kahnawà:ke, Skawennati vit à Montréal. Elle est représentée par la galerie ELLEPHANT.

András Szántó (né en 1964) est un auteur largement publié qui conseille les musées, les fondations, les établissements d'enseignement et les entreprises sur la stratégie culturelle et le développement de programmes, dans le monde entier. Il a obtenu son doctorat en sociologie à l'Université de Columbia. Ses écrits ont été publiés dans le New York Times, Artforum, Artnet et The Art Newspaper, entre autres publications. En tant que consultant, il conseille certaines des plus grandes institutions culturelles et programmes d'art d'entreprise au monde. Il a donné des conférences sur le commerce de l'art au Sotheby's Institute of Art et a dirigé le National Arts Journalism Program à l'Université Columbia. Au Metropolitan Museum of Art, il a aidé à lancer et à superviser le Global Museum Leaders Colloquium, une série de séminaires de 10 jours pour les directeurs de musées internationaux. Il est un modérateur fréquent de la série Art Basel Conversations. Né à Budapest, il a organisé des expositions sur l'art hongrois des années 60 et 70 à Londres et à New York. Son livre le plus récent est The Future of the Museum: 28 Dialogues (Hatje Cantz, 2020). Il vit à Brooklyn.

Yesomi Umolu est une chef de file des arts et une conservatrice contemporaine. Elle est actuellement directrice des affaires curatoriales et de la pratique publique à Serpentine, à Londres. Elle était auparavant directrice et conservatrice, Logan Center Exhibitions à l'Université de Chicago, où elle a également enseigné des cours d'art visuel et de pratiques spatiales en tant que conférencière dans la division des sciences humaines. Avant de rejoindre Logan, Umolu a occupé des postes de conservateur au MSU Broad Museum, East Lansing, Michigan ; Walker Art Center, Minneapolis; et Manifesta 8, la Biennale européenne d'art contemporain. En tant que Directrice artistique de la Biennale d'architecture de Chicago 2019, Umolu a supervisé un programme de conservation acclamé par la critique comprenant de nouvelles commandes, des installations hors site et une multitude de performances, de conférences, d'ateliers et d'engagements communautaires avec plus de 80 contributeurs internationaux. Umolu est récipiendaire en 2016 de la prestigieuse bourse de conservation de la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Elle a siégé au comité consultatif de conservation du pavillon des États-Unis à la 16e Biennale d'architecture de Venise. Elle est administratrice de la Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts, Chicago.