Fondation

Sonny Assu a grandi en banlieue de Vancouver, à quelque 250 km de l’île de Vancouver où il est né. À l’âge de huit ans, il apprend qu’il est de descendance kwakwaka’wakw, découverte qui marquera profondément son œuvre singulière. Artiste multidisciplinaire maîtrisant tant la peinture, la sculpture et la photographie que les arts numériques et imprimés, il relate l’histoire de sa famille et le quotidien des Autochtones du Canada par une démarche de négociation des principes artistiques occidentaux et kwakwaka’wakw dont lui seul a le secret. Sonny Assu a obtenu son baccalauréat en beaux-arts de l’Université Emily Carr en 2002 et a reçu le prix du diplômé émérite du même établissement en 2006, puis le prix BC Creative Achievement pour l’art autochtone en 2011. Il a aussi été trois fois en nomination au prix Sobey pour les arts. En 2017, il a terminé sa maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia et figurait parmi les lauréats des prix REVEAL en art autochtone. On retrouve ses œuvres au Musée national des beaux-arts du Canada, au Seattle Art Museum, à la Galerie d’art de Vancouver, au Musée d’anthropologie de l’Université de la Colombie-Britannique, au Burke Museum de l’Université de Washington, à la Galerie d’art du Grand Victoria, dans les bureaux d’Hydro-Québec et de Loto-Québec et dans plusieurs autres lieux publics et collections privées du Canada, des États-Unis et du Royaume-Uni.

Depuis la fin des années 1990, l’artiste multidisciplinaire Phil Collins s’évertue à mettre en lumière et en image notre rapport à la culture. Son approche intimiste l’a mené à la rencontre de danseurs de disco palestiniens, d’amateurs du groupe The Smiths sur trois continents, de réfugiés kosovars d’origine albanaise, de jeunes de Baghdad, de skinheads antifascistes de Malaisie et d’enseignants de marxisme-léninisme de l’ancienne République démocratique allemande. L’artiste a multiplié les expositions solos partout dans le monde : Metropolitan Museum of Art, New York (2016); Museum of Contemporary Art, Chicago (2016); Carpenter Center for the Visual Arts, Cambridge (2016); Gallery of Modern Art, Glasgow (2015); Hebbel am Ufer, Berlin (2014); Museum Ludwig, Cologne (2013); British Film Institute, Londres (2011); Tramway, Glasgow (2009); Aspen Art Museum, Colorado (2008); Dallas Museum of Art, Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, et Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa (2007); San Francisco Museum of Modern Art et Tate Britain, Londres (2006); et Wexner Center for the Arts, Columbus (2005). Phil Collins réside actuellement à Cologne, où il enseigne l’art vidéo à la Kunsthochschule für Medien, et à Berlin.

Née à Valladolid en 1965, Dora García a étudié les beaux-arts à l’Université de Salamanque, en Espagne, puis à la Rijksakademie d’Amsterdam, aux Pays-Bas. Aujourd’hui établie à Barcelone, elle utilise l’espace d’exposition comme une plateforme pour étudier la relation entre le visiteur, l’œuvre et le lieu. Pour ce faire, l’artiste mise souvent sur l’interactivité et la performance. Sans trop intervenir, elle transforme la pièce en une expérience sensorielle qui vient modifier la perception des visiteurs, ou du moins, éveiller leur scepticisme, car les signes qui leur semblaient jusque-là anodins deviennent soudainement porteurs de sens. Représentante de l’Espagne à l’occasion de la 54e Biennale de Venise en 2011, elle a participé à plusieurs expositions de premier plan: Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto (2015); Punkt Ø, Moss, Norvège (2015); Centre des arts visuels, Montréal (2014); dOCUMENTA (13), Cassel, Allemagne (2012); FRAC Île-de-France, Paris (2011); Biennale de Gwangju, Corée (2010 et 2016); Biennale de Lyon (2009); TATE Modern, Londres (2008); Centre Pompidou, Paris (2008); MUDAM, Luxembourg (2008); SMAK, Gand (2006); MUSAC, Léon (2004); et MACBA, Barcelone (2002).

Simryn Gill est née à Singapour en 1959, a grandi en Malaisie et a été formée en Inde et au Royaume-Uni. Artiste accomplie, elle maîtrise la sculpture, la photographie, le dessin et l’écriture et collectionne religieusement une foule d’objets, en particulier les livres qui sont à la fois source d’adoration et de discorde. Dans plusieurs de ses créations, elle gomme ou retire les caractères de textes canoniques dans une sorte de combat microcosmique contre l’autorité. Simryn Gill compte plusieurs expositions solos à son actif, notamment: Galeri Petronas, Kuala Lumpur (2001); Art Gallery of New South Wales, Sydney (2002); Berkeley Art Museum, Californie (2004); Tate Modern, Londres (2006); Sackler Gallery, Smithsonian, Washington (2006); Tracy Williams, New York (2006, 2009, 2010 et 2012); Museum of Contemporary Art, Sydney (2008); Jhaveri Contemporary, Mumbai (2009); Centre for Contemporary Photography, Melbourne (2009); Breenspace, Sydney (2009 et 2012); Heide Museum of Modern Art, Melbourne (2010); et AnnaElle Gallery, Stockholm (2012). Elle a cosigné avec Fiona Foley l’exposition Your Place or Mine? à l’Institute of Modern Art de Brisbane. Entre autres expositions collectives, citons la Biennale de Singapour (2006), dOCUMENTA (12) et (13) (2007 et 2012) et la 12e Biennale d’Istanbul (2011). Représentante de l’Australie à la Biennale de Venise en 2013, elle vit maintenant à Sydney et à Port Dickson, en Malaisie.

L’artiste et cinéaste Emily Jacir s’intéresse principalement à la transformation, à la traduction, à la résistance et aux récits historiques étouffés. Son art explore les mouvements d’expression personnels et collectifs dans l’espace public et leurs effets spatiotemporels sur l’expérience physique et sociale en région méditerranéenne, là même où elle habite. Elle est lauréate de plusieurs prix, notamment un Lion d’Or à la 52e Biennale de Venise (2007), le prix Prince-Claus (2007), le prix Hugo-Boss (2008) et le prix Herb-Alpert (2011). Les œuvres d’Emily Jacir ont été exhibées dans de grandes expositions collectives du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), à la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, à la dOCUMENTA (13) (2012), à la Biennale de Venise (2005, 2007, 2009, 2011 et 2013), à la 29e Biennale de São Paulo, Brésil (2010), à la 15e Biennale de Sydney (2006), à la 7e Biennale de Sharjah (2005), à la Biennale Whitney (2004) et à la 8e Biennale d’Istanbul (2003). Elle a récemment exposé en solo à l’Irish Museum of Modern Art de Dublin (2016), à la Whitechapel Gallery de Londres (2015), au Darat il Funun d’Amman (2014-2015), au Beirut Art Center (2010) et au Musée Guggenheim de New York (2009).

Né en 1957 en Guáimaro, à Cuba, et décédé en 1996 à Miami, Felix Gonzalez-Torres a fréquenté l’Université de Porto Rico avant de s’installer à New York en 1979. Il s’est inscrit au programme d’études indépendantes du Whitney Museum une première fois en 1981, puis de nouveau en 1983. Cette même année, il a obtenu son baccalauréat en beaux-arts du Pratt Institute de New York et, en 1987, sa maîtrise en beaux-arts de l’International Center of Photography et de l’Université de New York. En 1997, le Sprengel Museum Hannover, en Allemagne, a monté à titre posthume une exposition itinérante solo et publié un catalogue raisonné de ses créations. D’autres grandes institutions ont accueilli des expositions individuelles de cet artiste: The Art Gallery of South Australia, Adelaïde (1998); The Douglas Hyde Gallery, Dublin (1999- 2000); El Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay (2000-2001); Serpentine Gallery, Londres (2000); Le Consortium, Dijon (2002); et Musée d’art contemporain de la Hamburger Bahnhof, Berlin (2006). En 2007, il a représenté les États-Unis à la 52e Biennale de Venise. En 2010-2011, le centre d’art contemporain WIELS de Bruxelles a mis sur pied une rétrospective itinérante en six volets intitulée Felix Gonzalez-Torres: Specific Objects Without Specific Form, ensuite présentée à la Fondation Beyeler de Bâle et au Museum für Moderne Kunst de Francfort. À chacun de ses déplacements, l’exposition initialement réalisée par Elena Filipovic a été revisitée par un artiste-commissionnaire différent, à savoir Danh Vo, Carol Bove et Tino Sehgal. D’autres institutions ont présenté des expositions consacrées à son art, nommément le PLATEAU et le Leeum, Samsung Museum of Art de Séoul (2012), le Metropolitan Arts Centre de Belfast (2015) et le Rockbund Art Museum de Shanghai (2016).

Né en 1973, l’artiste danois Sergej Jensen vit aujourd’hui à New York. Ses œuvres ont été présentées dans différentes expositions collectives internationales : Decorum, Musée d’Art moderne de la Ville de Paris (2013); Time Again, Sculpture Center, New York (2011); All of This and Nothing, 6e exposition sur invitation, Hammer Museum, Los Angeles (2011); Annette Kelm, Sergej Jensen, Wolfgang Breuer, Kunst-Werke Berlin (2009); Of Mice and Men, Biennale de Berlin (2006); Momentum – Nordic Festival of Contemporary Art, Moss, Norvège (2006); et Biennale de São Paulo (2004). Parmi ses expositions individuelles, citons Fred Thieler Prize, Berlinische Galerie, Berlin (2013), MoMA PS1, New York (2011); Portikus, Francfort (2010); Aspen Art Museum, Aspen (2010); Malmö Konsthall, Suède (2008); Pinakothek Der Moderne (avec Henrik Olesen), Munich (2008); Schmoll, Bergen Kunsthalle, Norvège (2008); Malmö Konsthall, Suède (2008); Nomadic Bags and Bag Faces, The Douglas Hyde Gallery, Dublin (2007); Kunstverein Bremerhaven, Allemagne (2004); et Kunstverein Braunschweig (avec Stefan Müller), Allemagne (2003).

Né en 1954 à Détroit et décédé en 2012 à Los Angeles, Mike Kelley a obtenu son baccalauréat ès arts de l’Université du Michigan en 1976 et sa maîtrise en beaux-arts du California Institute of the Arts deux ans plus tard. Son œuvre exprime des concepts théoriques des arts, de la philosophie et de la psychologie à coup de supports kitsch, de scénarios juvéniles malaisants et de rendus rudimentaires. Au nombre de ses récentes expositions individuelles, citons: Categorical Imperative et Morgue, Van Abbemuseum, Eindhoven, Pays-Bas (2000); Sod and Sodie Sock (avec Paul McCarthy); Biennale d’art contemporain de Lyon, Institut d’art contemporain (2003); Mike Kelley: The Uncanny, Tate Liverpool (2004, exposition ensuite déplacée au MUMOK de Vienne); Profondeurs vertes, Musée du Louvre, Paris (2006); Day is Done Judson Church Dance, Judson Memorial Church, New York (2009); Themes and Variations from 35 Years, Stedelijk Museum, Amsterdam (2012); Mobile Homestead, Museum of Contemporary Art Detroit (2013) et Centre Pompidou, Paris (2013); et An Homage to Mike Kelley, MoMA PS1, New York (2013) et Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2014).

Lee Mingwei est né à Taïwan en 1964 et habite aujourd’hui Paris et New York. Il crée des installations participatives et des expériences interactives qui invitent les visiteurs à explorer les limites de la confiance, de l’intimité et de la conscience de soi en échangeant avec l’artiste et en partageant avec lui des tranches de vie. Ses œuvres sont généralement des projets ouverts multiformes qui évoluent au fil de l’exposition et au gré des participants. Il a obtenu sa maîtrise en beaux-arts de l’Université Yale en 1997 et compte plusieurs expositions individuelles internationales à son actif: Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art et Whitney Museum of American Art, New York; Museum of Fine Arts, Boston; Los Angeles County Museum of Art; Taipei Fine Arts Museum; Queensland Gallery of Modern Art; Mori Art Museum; et Auckland Art Gallery. C’est sans compter de nombreuses présences aux biennales de Venise, Lyon, Liverpool, Taïpei, Sydney et Whitney et aux Triennales Asie-Pacifique. Il prend actuellement part à l’exposition de la 57e Biennale de Venise signée Christine Martel sous le thème «Viva Arte Viva», en cours jusqu’au 26 novembre 2017.