PROJECTION

Né·e en 1975 sur la côte californienne, A.K. Burns est un·e artiste interdisciplinaire et un·e éducateur·trice vivant à New York. À travers la vidéo, l’installation, la sculpture, le dessin et la collaboration, Burns explore les systèmes de valeur et le corps comme un espace de tension où se négocient des enjeux sociopolitiques.

Burns a exposé à l’international, notamment récemment au Palais de Tokyo à Paris, au MMK Museum of Modern Art à Francfort, au Harvard Art Museums au Massachusetts et au Portland Institute for Contemporary Art en Oregon. Burns a également participé à l’événement FRONT International: The Cleveland Triennial for Contemporary Art.

En 2008, Burns a cofondé W.A.G.E (Working Artists in the Greater Economy), un groupe de défense des droits des artistes qui reste actif en tant qu’organisme de certification à but non lucratif pour les institutions artistiques à l’échelle nationale. En collaboration avec A.L. Steiner, Burns a réalisé en 2010 Community Action Center, une vidéo réinventant le cinéma pornographique pour les femmes queer (womxn), ainsi que les personnes trans et non binaires. Cette œuvre fait maintenant partie des collections du MoMA et de la Fondation Julia Stoschek et a été nommée en 2019 par le New York Times parmi les « 25 œuvres d’art qui définissent l’époque contemporaine ». En 2010, Burns a également entamé une collaboration avec leur partenaire Katherine Hubbard, avec qui Burns crée des installations performatives, des vidéos et des sculptures. Ensemble, iels ont mis en scène The Poetry Parade…, présenté au Museum of Modern Art, au Metropolitan Museum of Art et au Whitney Museum of American Art, tous à New York.

A.K. Burns est professeur·e agrégé·e et directeur·trice du programme New Genre à la Faculté d’art et d’histoire de l’art du Hunter College. Burns est actuellement représenté·e par la galerie Michel Rein à Paris et Bruxelles, ainsi que par Video Data Bank à Chicago.

Les travaux de Geneviève Cadieux explorent le champ d’interférence du passage des images obtenu par les modes d’enregistrement et de production de l’image photographique. La forme de présentation de son travail dans le lieu muséal et public s’inspire de la mise en scène de l’espace théâtral et cinématographique, des stratégies publicitaires et de leurs effets sur l’individu. Elle se consacre essentiellement à la production d’images photographiques et d'installations de grande échelle dont les principaux sujets sont la représentation du corps humain ainsi que le paysage, défini comme un lieu de rencontre de l’esprit et du corps. Geneviève Cadieux perçoit le corps d’une part comme une surface sensible, capable d’enregistrer les marques du temps et de la souffrance, et d’autre part l’image photographique comme une blessure lumineuse de l’émulsion. Elle s’intéresse à l’intégration de l'œuvre d’art en milieu urbain, à sa visibilité, à l’effet qu’elle exerce sur le citadin et à la manière dont elle marque et identifie un lieu.

Depuis le début des années quatre-vingt, Cadieux a participé à de nombreuses expositions collectives au Canada, aux États-Unis, en Europe, en Australie et au Japon, notamment à la Biennale de Montréal (1985, 1986 et 2000), à la Biennale de Sao Paolo (1987), à la Biennale d’Australie (1987, 1990) et à la Biennale de Venise (1990) où elle représentait le Canada. Depuis, ses œuvres ont fait l’objet de plusieurs expositions individuelles à travers le monde, notamment au Centre d’art contemporain de Genève et au I.C.A d’Amsterdam (1991), au I.C.A. de Londres (1992), au Sagacho Exhibit Space de Tokyo, au Musée Départemental de Rochechouart (1992), au Musée d’art contemporain de Montréal (1993), au Nouveau-Musée de Villeurbane, au MUKA d’Anvers, à la Bonner Kunstverein de Bonn, à la Kent Gallery de New York (1994), à la Tate Gallery de Londres, à la Angle Gallery de Santa Monica, au Cleveland Center for Contemporary Arts (1995), au Pittsburgh Centre for the Arts (1996), à la Kunsforeningen Copenhagen et la Stephan Friedman Gallery de Londres (1997), au Miami Art Museum, à la Galleria S.A.L.E.S de Rome (1998), à la Morris and Helen Belkin Art Gallery de Vancouver (1999), au Musée des beaux-arts de Montréal, à l’Americas Society de New York, au Beaver Brook Art Gallery de Fredericton et à la Art Gallery of Hamilton (2000), à la Galerie Nathalie Obadia de Paris et au Frac de Normandie (2001). Elle a participé au 59th Minute: Video Art à Times Square de New York (2002). Elle a réalisé Barcelone (2021-2022), une œuvre monumentale en façade sud du Musée des Beaux-Arts du Canada. Ses œuvres se retrouvent dans plusieurs collections privées et muséales au Québec, au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Asie.

Geneviève Cadieux, depuis 2002, est professeure agrégée au Programme de photographie de la Faculté des Beaux-arts de l’Université Concordia à Montréal. Artiste invitée, elle a enseigné au College of Architecture de l’Université d’Illinois à Chicago (1998), à l’Universitat Politècnica de Valencia en Espagne (1997), à l’École d’art de Grenoble (1996) et à l’École nationale supérieure des beaux-arts à Paris (1993-1994).

L’artiste reçoit le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques en 2011, devient membre de la Société royale du Canada en 2014 et est lauréate, en 2018, du prix Paul-Émile Borduas, la distinction artistique la plus prestigieuse au Québec. Elle rejoint en 2022 l’Ordre du Canada. Le travail de Geneviève Cadieux est représenté par Blouin Division à Montréal.

Artiste prolifique ayant vécu entre New York et Londres, Ellen Cantor (1961-2013) combine matériaux trouvés, notes et dessins personnels pour explorer ses perceptions du désir et de la violence institutionnelle. Dans ses dessins, peintures, collages et vidéos, elle détourne des personnages et des séquences de films emblématiques pour réorienter le message idéologique du matériel source. Les figures issues de dessins animés de Disney, de films d’horreur cultes, du cinéma nouvelle vague et de films familiaux servent de contrepoints visuels à ses révélations intimes. Fascinée par la naïveté des personnages comme Blanche-Neige et Bambi, Cantor étend leurs horizons narratifs en intégrant des scènes sexuelles explicites et des relations en crise dans ses œuvres.

Née à Montréal, Victoria Carrasco est une commissaire canadienne d’origine chilienne et gérante de galerie à la Fondation PHI pour l’art contemporain. Elle est titulaire d’une maîtrise en commissariat de la performance de l’Institute of Curatorial Practice in Performance (ICPP) de l'Université Wesleyan, d’un baccalauréat en design de l’environnement de l’Université du Québec à Montréal (UQÀM) et d’un baccalauréat en beaux-arts avec concentration en photographie de l’Université Concordia. En 2019, l’Université Wesleyan lui a décerné la bourse de Leadership ICPP de la Fondation Ford. Elle est également co-éditrice de la publication semestrielle TURBA: The Journal for Global Practices in Live Arts Curation.

Nadège Grebmeier Forget, artiste interdisciplinaire basée à Montréal, évolue dans le milieu des arts visuels et des arts de la scène. Elle s'est distinguée par la manipulation performative de son image, puisant ses influences dans le vocabulaire des féminismes, son propre corps et sa psyché personnelle agissant comme des médiums d'observation, de recherche et de transformation. Avec de nombreux festivals, expositions, résidences et conférences à son actif à travers le Canada, les États-Unis et l'Europe, elle est plus connue pour ses performances de longue durée, en direct, en streaming et en privé, qui remettent en question le travail de création et de devenir; y compris les façons dont la performance (de soi ou d'art) peuvent être documentées, montrées, diffusées ou exposées. Elle est la première artiste de performance à recevoir le Prix Pierre-Ayot (2019) de la Ville de Montréal, décerné en partenariat avec l'Association des galeries d'art contemporain (AGAC).

Son travail a récemment été exposé dans le cadre de l'exposition collective privat au Basement Raum Für Kunst Berlin (Allemagne, février-mars 2024). Elle a ouvert le concert de Kee Avil au Centre PHI (Montréal, mai 2024). Une interview par Alanna Thain sur l’approche de l'artiste à la scénographie en direct et l'occupation de l'écran comme miroir en mouvement a été publiée dans LO : TECH : POP : CULT : Screendance Remixed par Routledge (avril 2024, Angleterre, Royaume-Uni).

Le travail de Bettina Hoffmann se situe à l’intersection de la photographie, du cinéma, de la danse et du théâtre. Dans ses travaux récents, elle a chorégraphié et filmé des interactions entre personnes pour créer des tableaux vidéo et des performances afin d’examiner les mécanismes des relations sociales, des conflits et de la communication. Se concentrant sur les mouvements du corps, les gestes subtils, la distance et la proximité entre les personnes, elle s’intéresse aux mouvements et aux actions ambigus qui oscillent entre la bienveillance, l'indifférence et l’hostilité. Elle s’intéresse aux collaborations et aux approches interdisciplinaires de la création artistique et travaille avec des danseurs et des musiciens d'origines ethniques et artistiques diverses.

Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions collectives et individuelles au Canada, en Allemagne, en Grande-Bretagne, aux Pays-Bas, en Autriche, en Espagne, en Roumanie, en Corée du Sud, au Japon et aux États-Unis.

Parmi les expositions solos récentes citons Dérive à Expression - Centre d'exposition de Ste-Hyacinthe, Choreography of Movements au Goethe Institut Montréal, et Touch, à Occurrence, Montréal, qui mettent en lumière des œuvres vidéo chorégraphiques et des performances. Les expositions collectives récentes comprennent les Rencontres internationales Traverse, Variabilités en échos, à Toulouse, France, le Festival Oodaaq, à Rennes, France, ainsi que L’intentionnalité qui cherche..., Galerie GlogauAIR, à Berlin, Allemagne.

Originaire de Berlin, où elle a obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'Universität der Künste, elle vit à Montréal depuis 2000. Elle a reçu plusieurs bourses et a bénéficié de résidences du Conseil des arts du Québec, à New York et à Tokyo (TOKAS). Depuis 10 ans, elle se forme également en danse afin d'explorer une variété d'approches et de techniques du mouvement en participant à des ateliers à Montréal, New York, Tokyo et Berlin, apprenant de divers professeurs tels que Peter James, Yuminko Yoshioka, Dana Gingras, Tadashi Okamura, Natsu Nakajima, Yuri Nagaoka et Seisaku.

Praticien·ne en art action, poète et pédagogue, arkadi lavoie lachapelle a grandi en campagne dans une famille francophone de classe moyenne. Sa pratique se déploie depuis plus de dix ans dans la métropole québécoise. Diplômé·e en arts visuels et médiatiques à l’UQAM (2013), iel présente ses œuvres dans plusieurs expositions et festivals au Canada ainsi qu’en Europe (notamment Espagne et Allemagne). Impliqué·e dans sa communauté, iel est membre artiste de l’atelier Gham et Dafe et fut administrateur·trice du festival VIVA! Art Action. Finaliste du prix Pierre-Ayot (AGAC, 2020) et du prix Sobey (2023), lavoie lachapelle est appuyé·e par ses pairs en tant que récipiendaire de plusieurs bourses du CAC et du CALQ.

Au cours d'une carrière brève mais prolifique, l’artiste d’origine cubaine Ana Mendieta® a créé des œuvres novatrices dans les domaines de la photographie, du film, de la vidéo, du dessin, de la sculpture et des installations in-situ. Parmi les thèmes majeurs de son travail figurent l’exil, le déplacement et le retour au paysage, qui restent profondément pertinents aujourd’hui. Ses œuvres, qu’elle intitule « siluetas », sont des traces fugitives et puissantes de l’inscription du corps de l’artiste dans le paysage, souvent transformé par des éléments naturels tels que le feu et l’eau.

L’Estate of Ana Mendieta Collection, LLC, en collaboration avec la Galerie Lelong & Co, a catalogué et numérisé l’intégralité les œuvres d’images en mouvement de Mendieta, découvrant que l’artiste en a remarquablement réalisé plus d’une centaine au cours des dix années pendant lesquelles elle a travaillé dans ce domaine. L’exposition révolutionnaire de ses œuvres d’images en mouvement, Covered in Time and History: The Films of Ana Mendieta, a été organisée par la Katherine E. Nash Gallery, University of Minnesota en 2014, et a depuis voyagé dans plusieurs institutions à travers le monde, notamment au NSU Art Museum Fort Lauderdale, en Floride ; au University of California, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive ; au Bildmuseet, Umea, en Suède ; au Martin Gropius Bau, à Berlin ; et à la Galerie nationale du Jeu de Paume, à Paris. En 2023, la grande exposition solo Ana Mendieta: Search for Origin s’est tenue au MO.CO Montpellier Contemporain, en France, et a voyagé au MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, en Espagne, et au Musée des beaux-arts de La Chaux-de-Fonds, en Suisse.

L’œuvre de Mendieta a fait l’objet de 56 expositions individuelles dans des musées, dont six grandes rétrospectives. Ana Mendieta: Traces, a été organisée par la Hayward Gallery, en Angleterre, en 2013, et a voyagé au Museum der Moderne Salzburg, en Autriche, et à la Galerie Rudolfinum, en République tchèque. Ana Mendieta: Earth Body, Sculpture and Performance 1972-1985 a été organisé par le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C., en 2005 et a voyagé au Whitney Museum of American Art, New York, au Des Moines Art Center, Iowa, et au Miami Art Museum, Floride.

Mendieta est née à La Havane, Cuba, en 1948 et est décédée à New York en 1985.

Lynne Sachs est une cinéaste expérimentale et poète résidant à Brooklyn. Ses films intègrent des archives, des journaux intimes, des lettres, de la poésie et de la musique pour nous entraîner dans un voyage critique à travers la réalité et la mémoire. En adoptant une perspective féministe, Lynne explore les relations entre le corps, la caméra et la matérialité du film lui-même. Ses 50 courts et longs métrages ont fait l’objet de rétrospectives en Argentine, en Chine, en Équateur, en Allemagne, au Mexique, au Royaume-Uni et aux États-Unis.

Aki Sasamoto (née en 1980 à Kanagawa, au Japon) est une artiste basée à New York, travaillant dans les domaines de la performance, de la danse, de l’installation et de la vidéo. Elle enseigne actuellement au Département de sculpture de la Yale School of Art. Ses expositions individuelles et performances ont été présentées entre autres à Para Site à Hong Kong, au SculptureCenter à Long Island, au Center for Curatorial Studies du Bard College à Annandale-on-Hudson, ainsi qu’à divers lieux à New York, dont le Queens Museum, Arts and Letters, Danspace Project et The Kitchen.

Sasamoto a participé à des expositions collectives au Kunsthal Rotterdam aux Pays-Bas, au Whitney Museum of American Art à New York et au Hirosaki Museum of Contemporary Art au Japon, entre autres. Elle a également fait partie de l’exposition The Milk of Dreams, à la 59e Biennale de Venise, sous le commissariat de Cecilia Alemani. En 2021, elle était artiste en résidence à l’Atelier Calder à Saché, en France, et en 2023, elle a reçu le Prix Calder.

Luna Scales (née en 1992) est diplômée en arts visuels de la Royal Danish Academy of Fine Arts depuis 2020. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions collectives, tant au niveau national (au Danemark) qu’international. Sa pratique artistique est principalement centrée sur la vidéo, à travers laquelle elle explore le langage médical et le corps. Elle examine la dimension poétique des diagnostics ainsi que les interactions concrètes entre médecins et patient·e·s afin de créer un langage qui transcende la science objective du domaine médical. Elle vit et travaille à Copenhague.

Carolee Schneemann (1939-2019) est une artiste expérimentale américaine, connue pour ses œuvres multimédias portant sur le corps, la narration, la sexualité et le genre. Titulaire d’un baccalauréat en poésie et philosophie du Bard College, ainsi que d’une maîtrise en beaux-arts de l’Université de l’Illinois, elle commence sa carrière comme peintre dans la tradition de l’Expressionnisme abstrait. Elle se détourne ensuite de l’héroïsme masculin des peintres new-yorkais de l’époque pour se consacrer à une pratique performative, caractérisée par une recherche sur les traditions visuelles, les tabous et le corps individuel en relation avec les corps sociaux. Bien que renommée pour ses œuvres performatives et ses autres créations, Schneemann a affirmé : « Je suis une peintre. Je resterai une peintre et je mourrai une peintre. Tout ce que j’ai développé vise à étendre les principes visuels au-delà de la toile. » Son travail a été présenté au Los Angeles Museum of Contemporary Art, au Museum of Modern Art de New York, au National Film Theatre de Londres, ainsi que dans de nombreux autres lieux.

Schneemann a enseigné dans plusieurs universités, telles que le California Institute of the Arts, la School of the Art Institute of Chicago, le Hunter College, l’Université Rutgers et SUNY New Paltz. Elle a également publié de nombreux ouvrages, dont Cézanne, She Was a Great Painter (1976) et More than Meat Joy: Performance Works and Selected Writings (1979). Ses œuvres sont associées à divers courants artistiques, notamment Fluxus, le néo-dada, l’art performance, la Beat Generation et les happenings.

Nina Vroemen crée des œuvres interdisciplinaires sur l’écologie, à la fois spéculatives et incarnées. Iel vit à Tiohtiá:ke (Montréal), sur le territoire traditionnel des Kanien’kehà:ka, et est actuellement candidat·e à la maîtrise sculpture et céramique à l’Université Concordia.

Vroemen collabore à trois projets de performance interdisciplinaire (Horizon Factory + water%holding + HEaD) axés sur l’émerveillement et la justice écologique. Iel anime également des ateliers et enseigne les arts visuels à l’Université Concordia.

Ses récentes expositions comprennent IGNITION 19 à la Galerie Leonard & Bina Ellen à Montréal, et Marées Queer Tides à la Galerie Sans Nom à Moncton, à Watershed Art and Ecology à Chicago, à Summerworks à Toronto et à Montréal, prenant part à Artch, le Centre Clark, RIPA, le Centre de Création O Vertigo et la Fonderie Darling. Iel a participé à de nombreuses résidences d’artiste, notamment à Studio Kura (2024), Eastern Bloc (2023), Performing Arts Forum (2023), ARTSCAPE Gibraltar (2022), RURART (2020), Studio 303 (2019) et KIAC (2019).

Son travail a été publié dans des ouvrages et magazines imprimés et en ligne tels que Engaging the Margins: Experimental Practices in Interdisciplinary Art (UC Irvine, 2024), Esse art + opinions (septembre 2023), Low Carbon Methods Research (2022), Viral Ecologies (2022) et Experimental Engagements in Interdisciplinary Art de la Society for Literature, Science, and the Arts (2023).

Vroemen a reçu le généreux soutien financier du Conseil des arts du Canada, de la Société John Howard, du CRSH et du FRQSC.