PROJECTION

B.L.U.S.H. est un collectif multidisciplinaire féministe provenant de la ville de Québec. Il est composé des artistes en arts visuels Annie Baillargeon et Isabelle Lapierre et de la conceptrice sonore et musicienne Marie-Hélène Blay. Son approche multimédia de l’art action fait naître des œuvres vidéographiques, des installations et des œuvres sonores. Depuis 2015, leurs créations sont présentées dans divers événements et expositions au Québec (dont le Musée National des beaux-arts du Québec en 2015 et 2016, TEMPO/Vertical à Laval en 2015, la Biennale d’art performatif de Rouyn-Noranda en 2016, Mieux vaut tard/Recto-Verso à Québec en 2019, le Festival PHO à Matane en 2022) en France (instants Vidéo en 2016 et Festival Ondes Croisées en 2024) et en Serbie (IMAF en 2015 et 2025). Les créatrices de B.L.U.S.H. sont fortes d’une longue expérience en performance, en tant que cofondatrice (Annie Baillargeon) et membres (Isabelle Lapierre, Marie-Hélène Blay) du collectif Les Fermières obsédées.

Née à Nanchang en 1995, Dédé Chen vit à Tiohtià:ke/Montréal où elle s’intéresse à la performance de la filiation. En tant qu’anthropologue, elle s’inspire de l’autoethnographie comme source de création.

Charline Dally est une artiste basée à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal, moitié du duo le désert mauve. Sa pratique combine le signal vidéo analogique, l’imagerie de synthèse, le textile et le verre sous la forme de films, d’installations et de performances. Inspirées par les recherches en astrominéralogie et la pensée hydroféministe, ses œuvres visent à favoriser des états d’introspection pour aiguiser notre attention aux subtilités. Diplômée du Fresnoy - Studio national des arts contemporains et de l’UQAM en arts visuels, elle a présenté sa première exposition monographique this womb of things to be à Diagonale en mai 2024. Son travail a été exposé dans des institutions telles que le MOCA Toronto (CA), MAJ (CA), Place des Arts (CA), FNC (CA), FIFA (CA), Festival HTMlles (CA), Curtas Vila do Conde (PT), Ann Arbor FF (USA), VIFF (CA), CTM Festival (DE), Beijing ISFF (CN). Elle a réalisé des performances audiovisuelles au Musée des beaux-arts de Montréal (CA), Musée du BSL (CA), la SAT (CA), MUTEK (CA, ES, AR), Transart (IT) et Dour (BE).

Julia E. Dyck est une artiste, hypnotiseuse et productrice radio, originaire du Traité no 1/Winnipeg, qui travaille et vit présentement entre Bruxelles et Montréal/Tiohtià:ke. Dans sa pratique relationnelle et spéculative, Julia explore les liens possibles entre le corps, la conscience (le subconscient) et la technologie au moyen de la performance, la composition, l’installation et la transmission. Forte de sa formation en hypnothérapie, Julia crée des expériences de transformation collective et de somnambulisme, centrées sur le son. Utilisant les sonorités, les vibrations et les vagues comme importants leviers de guérison, Dyck considère que l’écoute véritable, de l’environnement et des autres, est un possible acte anti-normatif et queer.

La pratique de Dyck comprend ses propres modes de transmission et de dissémination, par exemple les sessions mensuelles d’hypnose avec du son en direct qu’elle mène dans son atelier bruxellois avec Diana Duta, les conférences-méditations qu’elle offre et les prescriptions sonores personnalisées composées de poésie, de créations sonores, de rythmes binauraux et d’ASMR qu’elle produit avec le collectif Audio Placebo Plaza (avec Erin Gee et Vivian Li).

Ralitsa Doncheva est une artiste et cinéaste bulgare établie à Tiohtià:ke/Montréal. Puisant dans les traditions du cinéma analogue expérimental et dans des approches poétiques et intuitives, dans son héritage balkanique et sa mythologie, ses films évoquent des mondes chatoyants sur le point de disparaître. Entre 2013 et 2018, Ralitsa a produit une série de courts métrages ainsi que des écrits à partir d’archives et de représentations de l’Europe de l’Est. Son dernier projet, (almost) impossible worlds, a été présenté à la galerie Dazibao et donné par la suite sous la forme d’une conférence-performance dans le cadre du symposium sur le cinéma expérimental de la Cinémathèque québécoise. Ses films et ses installations vidéographiques ont été présentés sur la scène internationale dans des festivals, des galeries et des petits cinémas. En 2016, elle a reçu le prix Eileen Maitland lors de la 54e édition de l’Ann Arbor Film Festival pour son film Baba Dana Talks To The Wolves. Son récent projet Desert Islands, tourné avec son père, a été projeté au Festival de nouveau cinéma à Montréal et à l’Images Film Festival à Toronto, entre autres festivals. Ralitsa est passionnément engagée dans les communautés locales du cinéma et de l’art, auxquelles elle contribue en tant que réalisatrice et monteuse.

Lee Ingram est une artiste multi-interdisciplinaire et facilitatrice de mouvement qui vit à Tiohtià:ke/Montréal. Lee est une fxmme noire métissée, issue de la diaspora afro-caribéenne, qui explore les manières dont le corps peut contredire les attentes en danse, en performance et en termes identitaires, tout en restant également ouverte à l’expérience des manières de bouger anciennes et ancestrales. La priorité accordée à l’observation, à l’écoute, à l’improvisation et à l’expérimentation permet le déploiement du temps dans le présent du travail en performance. Lee s’intéresse aux subtilités du mouvement et du son dans le corps ainsi qu’à son environnement, de même qu’aux fantômes qui hantent et aux cauchemars qui vivent. Iel est en résonance avec la manière dont ces thèmes se manifestent dans le domaine sociopolitique, où nous devons négocier nos désirs, nos peurs et notre chagrin pour le passé, le présent et le futur.

Joyce Joumaa (elle) est une artiste visuelle qui travaille entre Beyrouth, Montréal et Amsterdam. Elle a grandi à Tripoli, au Liban, et a poursuivi ses études en cinéma à l’Université Concordia. Travaillant principalement en vidéo, Joumaa s’intéresse aux histoires façonnées par les conflits et les crises, tout en explorant spécifiquement la phénoménologie de la performance politique, souvent ancrée dans le Liban où elle est née ou dans des expériences diasporiques. Par le cinéma documentaire et expérimental, la recherche en archives et la photographie, sa pratique vise à créer des récits qui réinventent notre lien avec des événements passés, des figures historiques ou des sites emblématiques, en examinant de quelle manière ils ont un impact sur nous dans le présent. Le travail de Joumaa a fait l’objet d’expositions au Musée des beaux-arts de Montréal, dans la Screening Room e-flux, à la Galerie Stewart Hall, à la Sharjah Architecture Triennial, à la 60e édition de la Biennale de Venise et à la 35e édition de la Ljubljana Biennale of Graphic Arts. Parmi ses récentes expositions individuelles, mentionnons celles au Centre Canadien d’Architecture, à Plein sud, centre d’exposition en art actuel et à la Galerie Eli Kerr. Elle a été lauréate du Prix Fondation Hnatyshyn pour artiste émergent et de la Bourse Plein sud en 2023.

Rojin Shafiei (née en 1993) est une artiste et cinéaste interdisciplinaire iranienne qui vit et travaille entre Toronto et Montréal. Dans ses œuvres, l’art est un véhicule pour la traduction de messages culturels, et il sert à présenter diverses subjectivités féminines. Elle présente ces thèmes à la fois dans un style documentaire littéral et sous forme de symboles. Rojin détient un baccalauréat en beaux-arts (Intermedia, 2017) de l’Université Concordia et une maîtrise (Film Production) de l’Université York. Ses œuvres ont été projetées sur la scène internationale dans une diversité de festivals, dont les Rendez-vous Québec Cinéma (Canada), le Festival International d’Art Vidéo de Casablanca (Maroc), le Limited Access Festival (Iran) et Les Instants Vidéo numériques et poétiques (France). En 2019, elle a été candidate de Trevise pour l’Arte Laguna Prize de Venise, et elle a remporté le grand prix de la section Startupfest/Artupfest en juillet 2018 pour son œuvre intitulée J’attends le temps.

Florencia Sosa Rey œuvre en arts visuels et se base à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal. Par une approche multidisciplinaire ancrée dans une sensibilité corporelle, c’est principalement à travers le dessin abstrait, l’art performance et la vidéo que des questions sur l’histoire socioculturelle que porte son corps sont articulées. Considérant la solidarité et la nostalgie comme ressources réflexives pour se pencher sur l’hybridité identitaire, Florencia porte une attention particulière aux espaces physiques et psychiques habités par la distance dans la transmission de savoirs et des liens interpersonnels. Son travail a été présenté à la Fonderie Darling, Fondation PHI, centre Plein Sud, Livart, ainsi qu’à Toronto, Sudbury, en Islande, et en Argentine. Sosa Rey est récipiendaire de bourses du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts et des Lettres du Québec, de ARTCH et de LOJIQ.

Née en Roumanie, l’artiste canadienne Laura Taler a démarré sa carrière en tant que chorégraphe en danse contemporaine avant de se tourner vers le cinéma et les arts visuels. Tout au long de sa carrière, Taler a exploré les liens entre le mouvement, la voix, la mémoire et l’histoire en ayant recours à des dispositifs cinématographiques et chorégraphiques afin d’articuler la manière dont le corps peut porter le passé sans que ce dernier ne l’opprime. Son travail a été applaudi pour son alliage unique de résonance émotionnelle, d’intelligence et d’effets visuels saisissants. Laura a reçu un Gold Hugo (Chicago International Film Festival), le prix du Best Experimental Documentary (Hot Docs!, Toronto), le Best of the Festival (Dance on Camera, New York) et le Prix Dennis Tourbin pour la création en performance (SAW, Ottawa). Sa nouvelle œuvre audio en art public, MONAHAN, a reçu en 2024 le Public Art Legacy Award du Creative City Network of Canada.