Studio

Andrew: Pouvez-vous débuter par un résumé de votre pratique?

Iolanda : Je dirais que la partie fondamentale de ma pratique artistique est l'investigation du soi. J'ai utilisé de nombreux outils pour atteindre cet objectif, bien que «atteindre» ne soit pas le mot juste, car la recherche de soi n'est pas quelque chose que l'on peut recevoir ou que l'on peut posséder. C'est un processus continu. J'ai commencé à dessiner, puis j'ai décidé de prendre des photos. La découverte de la photographie a été une partie importante de mon processus artistique, car elle s'est produite alors que j'étais assez jeune, à l’adolescence, et je viens d'une ville qui a été détruite par un tremblement de terre. Alors que mes ami.e.s commençaient à se droguer, j'ai découvert la photographie et c'est ce qui m'a sauvée en quelque sorte. Mais je me suis mise à penser que ce n'était pas suffisant, même si j'ai profondément étudié la lumière et étudié tous les processus techniques nécessaires pour réaliser ce que je voulais réaliser. Et donc je suis passée à autre chose, soit la vidéo, et je me suis cherchée dans la vidéo aussi, puis dans l'animation, puis dans la performance. On pourrait dire que ce qui m'a amené vers cette découverte, c'est le sentiment d'être complètement mal à l'aise dans mon corps, mais ce n'est pas le sentiment typique que l'on voit chez les adolescent.e.s et les femmes qui disent ne pas se sentir bien dans leur corps. Ce n'est pas le sentiment que j'éprouve. Le sentiment que j'éprouve est davantage lié à la question de savoir pourquoi suis-je ici? Pourquoi ai-je un corps? Pourquoi est-ce si inconfortable pour moi d'exister? Mon art m'aide à explorer, je ne dirais pas «la réponse» car il n'y a pas de réponse, mais peut-être à découvrir la question. J'ai lu quelque part que les professionnel.le.s n'ont pas la bonne réponse, mais simplement les bonnes questions. Alors disons que pour moi, l'art est la recherche de ma propre question.

Andrew : Votre pratique consiste donc à vous interroger sur la façon dont vous vous sentez connecté.e.s ou déconnecté.e.s de votre propre corps?

Iolanda : Exactement. Puis j'ai rencontré Saverio, et j'étais très intéressée par le côté plus technologique de la création et les voies offertes par les nouveaux médias. Nous avons eu l'idée d'établir une collaboration entre nous. 0 marque le troisième projet sur lequel nous travaillons ensemble.

Andrew : Quelque chose à ajouter, Saverio?

Saverio : *Rires* Je ne suis pas sûr de ce que je peux ajouter. Je veux dire, c'est elle l'artiste. Je ne suis qu’un outil. Un outil humain.

Andrew : Lorsque nous parlons de cinéma, nous empruntons souvent le langage de la photographie et du théâtre. Avez-vous l'impression que l'art immersif et les nouveaux médias, en particulier les œuvres d'art XR, empruntent beaucoup de connaissances et de langage à l'industrie du jeu vidéo?

Iolanda : Je pense qu'il y a un grand préjugé envers le terme «jeu vidéo». Et je ne suis pas du tout une amatrice de jeux vidéo. Mais en regardant les choses de l'autre côté, en tant que personne qui s'occupe de la production de quelque chose qui a tant de points communs avec le monde des jeux vidéo, je suis profondément consciente des connaissances qui se cachent derrière ce processus. J'ai étudié le cinéma. J'ai un diplôme en cinématographie. Je connais le processus de création dans l'industrie du cinéma et je sais combien d'efforts cela demande, mais ce n'est rien comparé au travail nécessaire à la production d'un jeu vidéo. Rien. Je pense que nous devons être reconnaissants que cette connaissance existe. C'est un outil précieux pour nous, si nous pouvons seulement apprendre à voir bien au-delà du «score», de «l'objectif» ou du «nombre de tirs dans la tête».

Saverio : C'est un sujet difficile parce que je viens du monde des jeux vidéo. Il y a beaucoup d'idées fausses sur ce monde. Je pense que le terme «jeu vidéo» fait émerger beaucoup d'idées préconçues et entraîne un manque de confiance, surtout chez les générations qui nous ont précédés. Il y beaucoup de fausses conceptions comme quoi c'est une forme de divertissement vide. 

[...]

Personne ne parle de la psychologie des joueurs. Je pense que les études réalisées sur la psychologie des joueurs de jeux vidéo peuvent nous apprendre beaucoup de choses sur notre identité et ce qui nous anime en tant qu'êtres humains. [...] Il y a des personnes qui, à travers des expériences virtuelles et immersives (qu'il s'agisse de jeux vidéo, de mondes virtuels, etc.), satisfont leur besoin de socialisation, et d'autres qui sont attirées par l'interaction avec les environnements. 

Je pense que les pulsions et les besoins sont des éléments qui nous définissent non seulement en tant que joueurs, mais aussi en tant qu'êtres humains. Je pense que le monde des jeux vidéo peut nous apprendre beaucoup de choses sur qui nous sommes. Dire que le jeu nous aide à atteindre un certain niveau et degré de satisfaction - subjectif et dépendant de notre psychologie - est un peu une métaphore de la vie. Nous appelons cette activité «jeu», en oubliant souvent qu'il s'agit... en fait d'une activité, et que cette activité contient une base de connaissances qui peut être utilisée pour façonner un nouveau langage. Une base de connaissances qui ne provient pas de la culture des jeux vidéo, mais de l'examen de l'homme, de l'analyse de son comportement. Puisqu’il s'agit d'une discipline émergente, d'un sujet jeune, je crois que nous devons en faire une discipline qui soit enseignée dans les écoles. Pour revenir au sujet de la responsabilité des créateurs, une meilleure compréhension nous aiderait à contenir les aspects négatifs du monde des jeux vidéo, comme la dépendance. Par exemple, si nous donnons aux enfants de six à dix ans les outils pour apprendre ce qu'est un jeu addictif, et pour reconnaître ce qui rend un produit addictif, cela leur donne le pouvoir de choisir. Je pense qu'aujourd'hui, nous manquons de ce pouvoir parce que nous manquons de connaissances.

Iolanda : Je voudrais juste ajouter une petite réflexion. Ce qu'un jeu et une expérience ont en commun, c'est leur objectif conjoint de répondre à un besoin du visiteur d'être diverti. Je déteste l'idée de me retrouver dans ce monde pour être diverti. Diverti, de quoi ? Ce genre de besoin, qui pour moi est assez nouveau dans sa façon de se manifester, est de capter l'attention des gens, comme une diversion de la vie quotidienne, et de convertir cette attention en divertissement. Je pense que c'est très cruel, et le public manifeste une sorte de dépendance à ce sujet. C'est une question de pouvoir, et la dépendance est une question de pouvoir comme l'a dit Saverio. On en revient à ce que nous avons dit au tout début. L'artiste doit reconnaître l'importance de son rôle dans la formation de l'imagination du public. Façonner l'imagination du public signifie que le public reconsidère le rôle du divertissement dans sa vie. 

Andrew : Si je vous comprends bien, le rôle que vous aimeriez que l'artiste joue, c'est de fournir un antidote, ou une alternative, à cette compulsion de la société à rechercher le divertissement. Je pense que cela renvoie aussi à votre problème d'être un artiste dans un marché de l'art, parce que la commercialisation gravite autour de cette compulsion à rechercher le divertissement. Comment conciliez-vous cela, même en tant que personne critique du marché de l'art, et ce besoin de présenter votre travail comme un produit, cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas présenter une pièce qui soit attrayante pour quelqu'un qui reconnaît sa dépendance au divertissement ? Comment pouvez-vous attirer quelqu'un qui est sursaturé par le divertissement?

Iolanda : Nous n'avons pas la réponse à cette question, et nous nous efforçons de trouver la réponse à celle-ci. Comment faire prendre conscience aux gens de ce besoin de se débrancher, de se libérer de la contrainte de devoir se divertir? Je n'ai pas la réponse. Ce que je vais dire est simplement quelque chose que j'ai réalisé ces derniers jours à propos de la pièce que nous avons créée. J'ai pensé à tout ce temps que j'ai passé à essayer d'expliquer le récit, qui est très, très simple. Si simple qu'il peut être déroutant pour les autres. «C'est vraiment aussi simple que ça?» est le commentaire que nous avons reçu de tant de personnes, et je l'ai reçu comme un compliment. Oui, c'est aussi simple que cela. Le récit de l'expérience n'est pas quelque chose qui se passe à l'extérieur de vous, le récit de la pièce est basé sur ce que vous ressentez à l'intérieur. Peut-être que le public qui vient en s'attendant à avoir beaucoup d'action à l'intérieur de l'expérience VR sera très déçu, il faudra beaucoup d'entraînement pour qu'il comprenne son concept. Mais si même un faible pourcentage d'entre eux peut nous dire que c'était bien, cela voudra dire que nous avons atteint notre objectif. Je veux dire, avec nos testeurs, c'était beau de les regarder. C'était beau de voir la forme de la narration qui se déroulait en eux. Au lieu de l'extérieur. 

Andrew : Plutôt que de raconter une histoire ou de tracer une narration, j'ai l'impression que votre travail consiste à établir les conditions qui encadrent le spectateur et qui lui permettent de vivre sa propre histoire. 

Je pense que c'est un aspect important de votre travail, l'utilisation de la technologie. Non pas comme un dispositif de narration, mais comme un outil pour créer des conditions ou des relations - un espace ou un environnement pour permettre au spectateur de se découvrir.

Andrew : En tant que personne qui a commencé par la photographie, et qui a expérimenté la vidéo, l'installation, la danse, les expériences immersives ou les installations interactives, comment pensez-vous que votre vision se traduit de l'une à l'autre? Croyez-vous qu'entre chaque médium, vous avez un langage d'expression différent?

Iolanda : Je sens qu'il y a un lien entre tous les travaux que j'ai réalisés. C'est un lien intime, mais c'est aussi quelque chose qui est le reflet de l'individu qui regarde la pièce. Je dirais que pour moi, les artistes ne peuvent pas porter de masque. Lorsque vous créez quelque chose, le public mérite un artiste qui ne porte pas de masque. Et donc, l'exercice central de ma pratique est «comment puis-je mettre mon masque de côté?». Et si j'arrive à mettre mon masque de côté, je peux être sincère et je sens que je peux être reconnue.

Andrew : Je trouve que c'est un point intéressant mais qui m'amène à poser une question. Beaucoup de vos œuvres sont des autoportraits, et dans la plupart d'entre eux, vous cachez votre visage. Votre visage est souvent couvert par vos cheveux, masqué par un effet, ou votre corps est positionné de telle sorte que nous ne pouvons pas voir votre visage. Pourquoi appréhendez-vous d'inclure votre visage dans votre travail?

Iolanda : Je ne veux pas l'interpréter de cette façon. Disons que ma façon de faire disparaître le masque est de me libérer du fait que je suis mon visage.

Andrew : Vous voulez dire qu'il y a trop d'importance ou de signification dans votre visage? Que les traits de votre visage sont eux-mêmes un masque ?

Iolanda : Trop peut-être... ou peut-être pas tant que ça. Je pense que pour moi, ce n'est pas tant que ça. Ma pratique consiste, oui, à me tenir devant un appareil photo lorsqu'il s'agit d'un autoportrait, mais ma pratique (et j'aime le fait que vous décriviez l'art, non pas comme un travail, mais comme une pratique) est ce qui se passe avant que nous prenions la photo ou que nous prenions la vidéo. Je passe tellement de temps à trouver le bon environnement, avec la bonne lumière, avec la bonne histoire et la bonne humeur. Et ensuite, pour me positionner dans cet environnement, «qui suis-je maintenant?». Je découvre souvent que je ne suis personne, et je ressens le pouvoir d'être personne. Quelqu'un qui n'a pas de visage n'a pas besoin d'avoir un visage, n'a pas besoin d'avoir une bonne position, n'a pas besoin d'avoir un langage corporel approprié, et n'a pas besoin de se sentir à l'aise en faisant quelque chose qu'il ou elle déteste. Je suis tellement mal à l'aise quand les gens me prennent en photo. Et je suis sincère, c'est ce que j'offre. J'offre le fait que je ne suis pas à l'aise dans ce monde. Et en faisant ça, je pense que les gens peuvent trouver une sorte de soulagement en sachant qu'ils ne sont peut-être pas les seuls à ressentir ça. Je ne sais pas, peut-être.

Andrew : Parlez-moi davantage de ce concept d'étrangeté, de méconnaissable ou d'indéfinissable, qui semble être un thème récurrent. Comment se rapportent-ils à vos images?

Iolanda : Le plus difficile est de décrire ce qui ne peut être communiqué par des mots. L’une des choses que j'ai réalisé au cours de cette résidence, c'est que cet espace d'indéfinition ne peut être atteint avec des mots. Je me trouve donc dans l'incapacité de répondre à votre question ou d'en parler davantage. Je sais simplement que cette dimension repose sur mon moi privé. Et il ne s'agit pas de «je ne veux pas me dévoiler», c'est juste que je ne peux pas le faire. Les mots ne sont pas en mesure d'atteindre cet espace privé.

Passer du temps avec Iolanda et Saverio m'a fait remettre en question mes idées sur les expériences immersives. Peut-être devons-nous repenser notre relation avec les histoires. Peut-être que l'immersion consiste à plonger l'individu dans sa propre histoire, pas du tout virtuellement, mais en utilisant une réalité virtuelle simulée pour lui rappeler qu'il vit déjà une histoire. Ils ont leur propre corps et leur propre expérience, et l'aspect «immersif» n'est pas une évasion, mais un acte de découverte de soi.